Sutter Cains Filmblog

TV-Tipp: Double Indemnity

2012-01-15T22:10:00.004+01:00

Morgen läuft einer der besten Film noirs bei Arte. Ab 21.40 Uhr verfällt Fred MacMurray als Versicherungsvertreter Walter Neff der sinnlichen "Frau ohne Gewissen" Barbara Stanwyck, die als blondes Perücken-Gift den schwanzgesteuerten Neff zum Mord anstiftet. In einer fantastischen Nebenrolle: Edward G. Robinson.

Der wichtigste TV-Termin des Monats!

Näheres zum Film findet man in diesem Blog hier.

Frau ohne Gewissen

Montag 16. Januar 2012 um 21.40 Uhr
Wiederholung am Montag 23. Januar um 14.25 Uhr
und
Donnerstag 26. Januar um 01.50 Uhr

Recently Watched Movies #25

2012-01-07T12:17:00.003+01:00

Anstelle eine Jahresrückblicks versuche ich, meine Filmsichtungen der letzten Monate Revue passieren zu lassen. Ich habe bestimmt eine ganze Reihe vergessen. Die werde ich später nachtragen, sollten sie mir noch einfallen.

Carnage 75

Sherlock Holmes (2009) 69

Sherlock Holmes 2 68

Mission: Impossible 4 67

The Ice Storm 92

X-Men: First Class 66

Thor 60

Limitless 89

The Walking Dead Season 1 73

The Walking Dead Season 2.1 66

Boardwalk Empire Season 2 75

Dexter Season 6 67

Gurotesuku 20

Invcitus 63

Scre4m 70

Captain America 62

Stand By Me 90

Mary & Max 80

Silverado 68

Lesbian Vampire Killers 40

Edward Scissorhands 83

Sucker Punch 65

Kes 69

Super 8 67

The Blues Brothers 80

Gran Torino 87

Cool Runnings 64

The Fly (1986) 77

Red State 70

Deep Red 88

Phenomena 84

Final Destination 5 (3D) 68

Polizeiruf 110 - Cassandras Warnung 76

Rise of the Planet of the Apes 69

Harry Potter and the deathly Hallows Part 1 62

Harry Potter and the deathly Hallows Part 2 63

The Lincoln Lawyer 69

Der Name der Rose 73

My Friend Joe 55

Hulk (2003) 85

They Drive by Night 62

...mal wieder ein Stöckchen

2011-08-24T17:17:00.003+02:00

Stock an den Kopf gekriegt.

Ein Film, den du schon mehr als zehnmal gesehen hast?

Jochen: Da gibt's einige. Vieles von De Palma, die Back to the Future Trilogie, die Star Wars Trilogie, einige Star Trek Filme (v. a. First Contact), den ersten Matrix, American Beauty, Pulp Fiction, Jackie Brown ...

Ein Film, den du mehrfach im Kino gesehen hast?

Jochen: Als Kind habe ich Petersens Unendliche Geschichte viermal im Kino gesehen. American Beauty, Sixth Sense, Matrix habe ich auch mehrfach auf der großen Leinwand geguckt. Und natürlich Die Blues Brothers alljährlich in der Waldbühne, als die noch Sommerkino war.

Ein Schauspieler, wegen dem du eher geneigt wärst, einen Film zu sehen?

Jochen: Alfons sagt: Bruce Campbell. Dem würde ich mich schon einmal anschließen. Außerdem natürlich: Patrick Stewart!

Ein Schauspieler, wegen dem du weniger geneigt wärst, einen Film zu sehen?

Jochen: Julia Roberts ist ein Brechmittel.

Ein Filmmusical, dessen Songtexte du komplett auswendig kannst?

Jochen: Haha - natürlich gibt's da keins. Wobei ich beim Little Shop of Horrors einige mitsingen könnte.

Ein Film, bei dem du mitgesungen hast?

Jochen: Blues Brothers in der Waldbühne (bei manchen Songs).

Ein Film, den jeder gesehen haben sollte?

Jochen: Double Indemnity. Wilders bester Film. Der beste Film noir. Und einer der besten Filme überhaupt.

Ein Film, den du besitzt?

Jochen: Ich besitze keine Filme. Wer tut das schon?

Ein Schauspieler, der seine Karriere nicht beim Film startete und der dich mit seinen schauspielerischen Leistungen positiv überrascht hat?

Jochen: Christian Ulmen.

Schon mal einen Film in einem Drive-In gesehen?

Jochen: Nope.

Schon mal in einem Kino geknutscht?

Jochen: Ich belecke keine Frauen im Kino!

Hast du jemals das Kino verlassen, weil der Film so schlecht war?

Jochen: Ja. Temnye Vody (aka. Dark Waters) aufm FFF hat mich 1993 geschafft. Russischer Dreckshorror. Seitdem bin ich aber sogar bei schlechten Sneaks brav sitzengeblieben.

Ein Film, der dich zum Weinen gebracht hat?

Jochen: Das Weinen im Kino habe ich verlernt. Ronja Räubertochter und Das letzte Einhorn haben es aber ebenso geschafft wie Die unendliche Geschichte. E.T. hat diesbezüglich versagt.

Popcorn?

Jochen: Wozu?

Wie oft gehst du ins Kino?

Jochen: Mittlerweile viel zu selten. Früher bestimmt einmal die Woche. Jetzt vielleicht noch 20x im Jahr.

Welchen Film hast du zuletzt im Kino gesehen?

Jochen: Super 8.

Dein Lieblingsgenre?

Jochen: Gibt's nicht. Eher Genres, die ich weniger mag, wie z. B. Musicals oder RomComs.

Der erste Film, den du im Kino gesehen hast?

Jochen: Das letzte Einhorn.

Welchen Film hättest du lieber niemals gesehen?

Jochen: Toys. Robin Williams ist hier in meiner Wahrnehmung von einem sehr hohen Podest gefallen.

Der merkwürdigste Film, den du mochtest?

Jochen: Bitte keine Superlative! Zuletzt hat mir Ghost Rider recht gut gefallen. Der war wunderbar trashig.

Der beängstigendste Film, den du je gesehen hast?

Jochen: Als Kind: Das Testament des Dr. Mabuse. Als Erwachsener: A Tale of Two Sisters.

Der lustigste Film, den du je gesehen hast?

Jochen: Wieder so ein scheiß Superlativ. Als Kind habe ich im Kino bei Beverly Hills Cop II so laut gelacht, dass sich mein Kumpel neben mir für mich schämte, weil ein erwachsener Kinobesucher, neben dem er sitzen musste, mein übersteigertes Lachen überhaupt nicht nachvollziehen konnte und die Nase rümpfte. Heute weiß ich: Der Mann hatte recht! Reine Komödien finde ich bedauerlicherweise mittlerweile selten komisch. Sideways ließ mich allerdings einige Male herzhaft auflachen.

Recently Watched Movies #24

2011-06-22T00:24:00.002+02:00

Sicherlich habe ich einen Haufen Filme vergessen, die ich seit meinem letzten RWM-Post gesehen habe, aber an folgende kann ich mich noch gut erinnern:

Up in the Air 68

Mad Men Seasons 1-4 65

Top Gun 55

Shaun of the Dead 75

Twilight 45

Twilight: New Moon 20

The Walking Dead 80

Hanna 78

Paths of Glory 95

I Saw the Devil 79

The Good the Bad and the Weird 60

Sweet Smell of Success 90

The Wild Bunch 85

Offside 70

Hangtime 62

Blow Out 95

Twelve 55

The Hurt Locker 72

Ein Prophet 75

Moon 58

Source Code 60

Stagecoach (1939) 77

Machete 60

The Texas Chainsaw Massacre (2003) 64

TCM: The Beginning 62

Volkswagen Commercial: The Force

2011-02-08T22:47:00.004+01:00

Irgendwie sympathisch...

Und Outtakes gibt's auch noch reichlich...

Recently Watched Movies #23

2011-02-02T23:15:00.003+01:00

Deadwood Season 2 73

Gamer 57

Deadwood Season 3 79

Die Klasse 74

The School of Rock 70

Der Räuber 64

Mother 70

Kick-Ass 55

TRON: Legacy 3D 65

Allein unter Schülern 30

Der bewegte Mann 65

Recently Watched Movies #22

2011-01-09T23:25:00.002+01:00

Fish Tank 85

The Terminator 80

Machete 60

Hot Tub Time Machine 55

2010 53

Deadwood Season 1 83

Greenberg 60

2010 - Ein Jahresrückblick

2010-12-27T00:44:00.013+01:00

Wir befinden uns am Ende von Jahr eins nach der filmisch ödesten Dekade seit Menschengedenken. Ist ein langsamer Wandel zu mehr Qualität zu erkennen? Konnte das Jahr 2010 einen deutlichen Schlussstrich unter zehn Jahre überbordender Durchschnittsware ziehen? Blicken wir zurück auf die vergangenen zwölf Monate!

Januar

Ein deutscher Film, der mich erst 2010 als Blu-ray erreichte, obwohl er bereits Ende Dezember 2009 gestartet war: Fatih Akins Soul Kitchen - eine launige Komödie aus dem Hamburger Kiez und willkommene Abwechslung zu Akins sonst so schwergewichtigen Ensemblefilmen. Ein wunderbares Feelgood-Movie rund um Kochen, Freundschaft und Liebe. Soul Kitchen besteht auch den Mehrfachsichtungstest mit Bravour.

Ebenfalls aus dem Dezember 2009 stammend (erst 2010 rezipiert): Rob Zombies Halloween II. Für mich der größte Horrorfilm vergangener Jahre. Verstörend, brutal, unangenehm und doch: visuell von bezaubernder Schönheit.

Surrogates entführt uns in eine scheinbar perfekte Welt, in der wir alle aussehen wie Superstars und Schnelligkeit und Stärke von Maschinen besitzen. Das Problem: In Wahrheit liegen wir halb dösend im Bettchen und Roboter vollziehen die Handlungen, die wir ihnen aus unserer Schlummerkoje mittels gedanklicher Fernsteuerung zukommen lassen. - Eine faszinierende Ausgangssituation, die jedoch an allzu formelhafter Hollwood-Dramaturgie leidet. Die ethisch-moralischen Probleme, die der Stoff hergibt, werden zwar angekratzt, letztlich aber einer rührseligen Beziehungsgeschichte geopfert. Kein wirklich schlechter Film, denn dafür ist die Grundidee zu interessant und die handwerkliche Umsetzung von Jonathan Mostow zu gut, dennoch verlässt man am Ende das Kino recht enttäuscht. Fastfood-Kino: Macht kurzzeitig satt, enthält aber kaum Nährwert.

Ein erster echter Höhepunkt des Jahres war der Coen-Film A Serious Man! Die Geschichte um den Loser Larry Gopnik (eine Figur ganz in der Tradition Jerry Lundegaards aus Fargo) ist ein großes Vergnügen, wobei Vergnügen hier vielleicht das falsche Wort ist, denn der Leidensweg des Larry Gopnik geht einem nahe. Die Coens bestätigen hier noch einmal, was sie mit Burn After Reading und No Country for Old Men schon gezeigt hatten, nämlich dass sie nach einer langen Durststrecke in den Nullerjahren wieder zu ihrer alte Form zurückgefunden haben.

Sherlock Holmes: Guy Ritchie gelingt es dem wohl bekanntesten Detektiv eine Frischzellenkur zu verpassen. Das London des späten 19. Jahrhunderts sah nie besser aus. Mir hat's gefallen und ich freue mich auf mögliche Fortsetzungen.

Leider verpasst: 13 Semester

Februar

The Wolfman: Der wohl langweiligste Werwolffilm aller Zeiten. Trotz Benicio del Torro und einer überaus sehenswerten Ausstattung kann der Film zu keinem Zeitpunkt fesseln. Gurke.

Shutter Island: Eine visueller Hochgenuss. Atmosphärisch dicht, voller Anspielungen und Zitate. Größtes Missverständnis vieler Rezipienten: Dass der Twist überraschen soll - nein, wer ihn vorher nicht benennen kann, hat nicht aufgepasst (und ist zu blöd für den Film)!

The Ghost Writer: Polanski at his best!

The Lovely Bones: Zweitschlechtester Film des Jahres. Peter Jackson sollte mit einem fünfjährigen Berufsverbot bestraft werden.

Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans: Grandioses Remake, das gar kein Remake, sondern ein eigenständiges Werk ist, das mir persönlich um einiges besser gefällt als Ferraras Film von 1992. Cage spielt den durchgeknallten Cop famos-komisch. Herzogs Handschrift ist zu jeder Zeit erkennbar. Die vielleicht abgefahrenste Szene des Jahres: His Soul is still dancing.

Leider verpasst: Beyond a Reasonable Doubt, Invictus, Die Friseuse

März

Nichts. Nicht einmal Alice in Wonderland (kein Interesse an Burtons Kreativ-Masturbation).

Leider verpasst: Crazy Heart, Der Räuber, Green Zone

April

Brooklyn's Finest: Äußerst schwergewichtiger Copfilm, der einen bestimmt nicht mit guter Laune aus dem Kino entlässt. Eine Zweitsichtung muss noch erfolgen - vorher gibt's von mir keine klare Wertung.

Cop Out: Kevin Smiths zweitschwächster Film. Nur der moralinsauere Jersey Girl ist noch unerträglicher. Cop Out ist einfach nur blöd und unlustig.

The Boondock Saints II: All Saints Day - hat einer Zweitsichtung nicht standgehalten. Leider.

Kick-Ass: Ein Lieblingsfilm unter den Filmforen-Nerds, der leider etwas zu klamaukig geraten ist. Dafür kann das Comic-Gewalt-Level überzeugen. Gehört zur höheren Mittelklasse des Jahres.

Mai

Iron Man 2: Große Enttäuschung. Nach dem frisch wirkenden ersten Teil, zieht sich Teil zwei scheinbar ewig in die Länge und hat im Grunde auch nichts Mitteilenswertes zu erzählen. Als reiner Actionfilm funktioniert er vielleicht, habe bislang allerdings keine Lust auf eine Zweitsichtung.

Survival of the Dead: Romeros Zombie-Reihe geht weiter. Nicht unbedingt besser. Im Gegenteil - nach Land of the Dead muss man nichts mehr vom Altmeister der Zombies gesehen haben.

Prince of Persia: The Sands of Time: Hübsches, wenn auch selten dämliches, Jump-and-Run-Spektakel, das angeblich eng an der Computerspielvorlage liegen soll. Für den sonntäglichen Videonachmittag in Ordnung - Zweitsichtung in drei Jahren im TV.

A Nightmare on Elm Street: Ich habe nichts gegen Remakes. Im Gegenteil: Bieten sie doch die Chance, einen Stoff neu und zeitgemäß zu interpretieren. Das Original profitiert in jedem Fall vom Remake, sei die Neuauflage nun ge- oder misslungen. Ein Teil der jüngeren Generation wird sich daraufhin für die Vorlage interessieren. Dass es sich bei Remake-Produktionen oftmals um reine Geldschneiderei handelt, ist ebenfalls zu vernachlässigen, denn darum geht es schließlich bei jedem Film. Die Macher müssen damit ihren Lebensunterhalt verdienen können.

"Warum regt mich dieses Remake wahnsinnig auf?" Diese Frage stellte ich mir immer wieder, während ich mir das Nightmare-Remake ansah. Die Antwort fällt nicht leicht, weil ich nicht weiß, wo ich anfangen soll. Gehen wir chronologisch vor:

Schon der Vorspann verriet mir, dass dieser Film gewaltig in die Hose gehen würde, sollte nicht noch ein Wunder geschehen. In völlig einfallsloser, liebloser Aneinanderreihung von ach-wie-coolen Reiß- und Feuerblenden, hektischen Schnitten und bedeutungsschwangeren Detailaufnahmen soll eine Gruselatmosphäre erzeugt werden. Das Problem: Es funktioniert nicht, weil man das schon tausende Male bedeutend besser gesehen hat. Se7en ist Begründer und bleibt Maßstab eines solchen Atmo-Vorspanns. Wie es nicht funktioniert, weil es gewollt und uninspiriert aussieht, zeigt das Nightmare-Remake.

Die erste Szene im Diner. Zugegeben: Eine überaus hübsche Beleuchtung - vielleicht sogar augenzwinkernde Hommage an Suspiria, wer weiß? Und dennoch: Wollen wir zu Beginn einen sich bei seiner Freundin ausjammernden Highschoolboy sehen? Nein. Gleichzeitig werden auch noch vor der Titeleinblendung die restlichen Freddy-Opfer mit der dramaturgischen Brechstange eingeführt. Dann der erste Kehlenschnitt, ein Schrei - Titel. So weit, so gut.

Opfer Nummer eins - gespielt von Katie Cassidy. Die gute Katie ist ein Blickfang. Blond, blauäugig, hübsch. So mögen wir es. Doch ist die liebe Katie 23 Jahre alt und sieht aus wie mindestens 25. Als sie dann in einem Karton auf dem Dachboden rumwühlt, auf dem 1996 steht und wir wissen, dass sie zu diesem Zeitpunkt fünf gewesen sein soll, bleibt einem nichts anderes mehr übrig, als laut zu lachen! In der nächsten Szene sitzt sie dann in einem Klassenraum mitten zwischen Teenagern und wirkt wie eine fehlplatzierte Referendarin. Fünf Minuten später ist sie tot - und wir haben sie nicht einmal beim Sex mit ihrem Leidensgenossen gesehen.

Dieser Leidensgenosse ist dann auch das nächste Opfer. Ein völlig farblos bleibender Milchbubi mit Maskara-Augen. Als Freddy ihm mitteilt, dass er ihn noch so lange im Traum quälen kann, wie sein Gehirn lebt (6 to 12 minutes, Mr West!), atmet man das erste Mal auf, bekommt aber bedauerlicherweise nichts davon zu sehen.

Um es kurz zu machen: Im weiteren Verlauf wird's nicht besser. Schauspiel, Schnitt, Atmosphäre - alles ein Totalausfall. Einen Direktvergleich mit der Vorlage wäre pietätlos.

Dieser Film ist für mich eindeutig das größte Ärgernis des Jahres.

Juni

Splice ist die Spielfilmvariante der ersten fünf Minuten von Species. Ein-zwei großartige Szenen bietet er immerhin. Wenn es mal einen Aufsatz aus den Gender studies zu Splice geben sollte, werde ich ihn gespannt lesen, das könnte interessanter werden als der Film selbst.

Vergebung: Letzter Teil der Millenium-Trilogie. Leider hat sich die gesamte Reihe nie aus dem ARD-Krimi-Niveau erheben können. Alles wirkt wie für den 60-jährigen Fernsehkonsumenten zurechtgestutzt. Richtig warm ist man mit den Figuren nie geworden. Am besten ist noch Teil eins, dem es wegen mangelhafter Drehbucharbeit tatsächlich gelingt, in den letzten 20 Minuten den gesamten Film zu zerstören. Man hätte alle drei Teile gleich im Fernsehen zeigen sollen - Kommissarin Lund spielt schließlich in einer vergleichbaren Liga.

Juli

Predators: Reine Zeitverschwendung. Dann lieber nochmal den original-Arnie-Äkschn-Fuim in zweifelhafter Blu-ray-Qualität.

Please Give: Nette New Yorker Familiengeschichte mit Catherine Keener. Ein Sonntagnachmittagfilm.

The Doors - When You're Strange: Große Vorfreude durchfuhr mich, als ich von diesem Projekt hörte - einer meiner Lieblings-Independent-Regisseure (Tom DiCillo) widmet sich der Geschichte einer meiner Lieblingsbands (The Doors). Bedauerlicherweise ist nichts Tolles dabei herausgekommen - so wird die Geschichte der Doors, wie man sie kennt, einfach nur nacherzählt. Die US-BD, die ich mir extra zugelegt hatte, habe ich deshalb schon wieder bei ebay verscheuert.

Daybreakers (Video-Premiere): Eine konsequent zu Ende gedachte Vampirwelt: Die Vampire herrschen, die Menschen sind unterjocht, doch nun geht das Blut aus. Schöne Prämisse, passable Umsetzung, teilweise in zu leicht vorhersehbaren Bahnen inszeniert, gefällt mir an Daybreakers vor allem das dreckige Gesellschaftsbild, das gezeichnet wird: Vampire sind bestimmt nicht die besseren Menschen - Mitgefühl ist ihnen auch innherhalb ihrer eigenen "Rasse" fremd. Im direkten Vergleich zu zeitgenössischen Vampirwerken ziehe ich allerdings HBOs TRUE BLOOD vor.

Karate Kid: Auch hier gilt - lieber noch einmal das Original gucken. Zwar kann Will Smiths Söhnchen besser Kung Fu als Ralph Macchio und Jackie Chan zeigt, dass er durchaus auch etwas schauspielern kann. Dennoch zieht sich die wohl bekannte Handlung wie ein zäher Kaugummi und die schöne 80's-Atmo fehlt auch.

Nightmares in Red, White and Blue (Video-Premiere): Der Ansatz des Films ist sicherlich lobenswert: Einen Überblick zu geben über die Geschichte des US-Horrorfilms vom Anfang des 20. Jahrhunderts bis heute. Doch in diesem Vorgehen verbirgt sich leider auch das Problem der Doku, denn hier wird im Schweinsgalopp durch die Jahrzehnte gerast - Hauptsache, man zeigt viele Ausschnitte. Ich hätte es besser gefunden, wenn man Schwerpunkte gesetzt, einzelne Beispielfilme genauer unter die Lupe genommen hätte. So bleibt der Film meist an der Oberfläche und präsentiert dem interessierten Zuschauer (und ich gehe davon aus, dass nur solche sich diesen Film ausleihen/kaufen werden) größtenteils Bekanntes. Wie bei Going to Pieces werden hier zu sensationslüstern die Splattereffekte reingeschnitten. Aber Going to Pieces hatte wenigstens einen Schwerpunkt: den Slasherfilm. Nightmares in Red, White and Blue will alles auf einmal und erreicht dann doch kaum etwas davon. Für Einsteiger ins Genre nicht verkehrt, für Freaks eher enttäuschend. Besser noch einmal The American Nightmare angucken!

Inception: Erstsichtung 86 Punkte, Zweitsichtung 65 Punkte, Drittsichtung ? - ich vermute, es wird sich mit diesem Nolan wie mit den meisten seiner Filme abspielen: Zunächst überraschen sie einen, doch bei wiederholter Begutachtung langweilen sie. So gegangen bei: Memento, The Dark Knight und nun Inception (The Prestige war hingegen schon beim ersten Mal doof). Lediglich seinen kleinen, niedlichen Debütfilm Following schaue ich mir immer wieder gerne an, vielleicht, weil man es einem Film mit diesem Look und Budget eher abkauft, was Nolan uns (später so aufgeblasen) auftischt.

August

The Expendables: Das 80's Feeling, das ich bei Karate Kid eben noch so vermisste, soll sich bei diesem Retro-Action-Film plangemäß einstellen. Das tut es aber nur bedingt. Zu selbstgefällig, ja zum Teil sogar selbstverliebt, wirken die drögen Dialogszenen zwischen den Actionhelden von einst. Ein Film, der Nostalgie beim Betrachter hervorrufen will, dies aber (zumindest bei mir) zu keinem Zeitpunkt schafft. Trotzdem funktioniert das altbekannte Prinzip: Wenn die Bösen etwas auf die Omme kriegen, freut man sich. Wem das reicht, dem seien The Expendables wärmstens empfohlen. Für mich bleiben sie eine unbedeutende Fußnote zum herrlich-doofen Actionkino der 80er.

Me & Orson Welles: Und hier ist er - mein Film des Jahres. Eine charmante, präzis besetzte, klug gescriptete und punktgenau inszenierte Hommage an Orson Welles, das Theaterleben und die späten 30er Jahre in Manhattan. Erzählt aus der Perspektive des etwas blauäugigen, 17-jährigen Richard Samuel erleben wir die Proben und Uraufführung von Welles' Julius Caesar. Die Offenbarung des Films ist ganz eindeutig Christian McKay, der Orson Welles wiederauferstehen lässt. Ein Feelgoodfilm, bei dem es auch bei der Zweit- und Drittsichtung noch etwas zu entdecken gibt. Leider ist Richard Linklaters Comicverfilmung mit zweijähriger Verspätung ins Kino gekommen. Ein Erfolg an der Kinokasse war ihr trotzdem nicht beschieden. Ich hoffe auf einen Sensationserfolg bei der DVD-Auswertung und habe meinen Teil dazu beigetragen, indem ich ihn bereits einmal auf BD und einmal (als Geschenk) auf DVD erwarb. Hier klicken und den Film sofort kaufen: DVD - Blu-ray.

Chatroom (FFF): Visuell gelungene Umsetzung eines virtuellen Phänomens: Der Freundschaft in Chaträumen. Was weiß man wirklich über die, mit denen man online kommuniziert?

Brotherhood (FFF): Testosteron-Kino. Es wird die ganze Zeit über gebrüllt. Nach spätestens zwanzig Minuten habe ich deshalb geistig abgeschaltet - den "verflochtenen" Plot versteht man aber auch halbkomatös mit fünf Bieren im Blut. Rotzfilm.

Mary & Max: Eine Riesenüberraschung - ein hinreißender, herzerwärmender Trickfilm über die Fernbeziehung zwischen einem kleinen australischen Mädchen und einem psychisch labilen New Yorker.

Leider verpasst: Moon, Enter the Void

September

Get Him to the Greek: Überwiegend unlustiger Blödelkram. Uninteressant aber harmlos.

Leider verpasst: Jud Süß

Oktober

The Social Network: David Fincher gelingt es, aus einem staubtrockenen Stoff voller unsympathischer Figuren einen packenden Zeitgeist-Film zu schustern. Genial.

The Road: Ein weiteres Highlight des Jahres, das ebenfalls mit reichlich Verspätung in deutsche Kinos gelangte. Ein stiller, bedrückender, durch die Farbentsättigung fast schwarzweißer, unheimlich bildgewaltiger und atmosphärischer Film. Die Besetzung ist fantastisch. Das Ende hat mich stark bewegt.

Twelve: Kühle Verfilmung von Nick McDonnels Kultbuch über die superreichen New-Yorker-Yuppi-Kids. Nah an der Vorlage, leidet der Film an seinem unterkühlten Blick auf die Figuren. Kein Fehlschlag, aber auch kein Glanzstück.

Scott Pilgrim vs. the World: Der zweite Lieblingsfilm der Filmforen-Nerds ist in etwa ebenso unterhaltsam wie Kick-Ass. Und die "Nerd-Momente" sind auch das Beste: Die Kämpfe, Game-Amspielungen usw. Langatmig wird's allerdings immer dann, wenn das Beziehungs-Gedöns ausgewalzt wird. Und das geschieht leider viel zu häufig. Es wird überhaupt nicht deutlich, warum Scott die Trulla mit den bunten Haaren so toll findet (außer vielleicht, dass er findet, dass sie gut aussieht). Die Beziehung wird einfach von den Drehbuchautoren gesetzt, ohne emotional erklärt zu werden. Folglich haben mich die vielen "Liebesjammerszenen" leicht genervt und ich wartete nur darauf, dass der nächste Exliebhaber ankommt, mit dem er sich prügeln kann. Der Film ist einfach zu lang und deshalb wird er m. E. bei einer Zweitsichtung komplett untergehen.

Wall Street: Money Never Sleeps: Gelungene Fortsetzung des 80er-Jahre-Films, der den Zeitgeist der Gier-Dekade am besten eingefangen hat. Ein großer Spaß, wie der Grünschnabel Shia Labeouf von Douglas und Brolin vorgeführt wird.

Wir sind die Nacht: Im Vergleich zu einer aktuellen Serie wie True Blood ist das in Wir sind die Nacht entworfene Vampirbild ziemlich öde. Klar kann man in 100 Minuten kein derart komplexes Blutbeißer-Universum aufbauen, wie es in einer Serie möglich ist, aber die Story-Elemente des Films sind auch noch ausgelutscht und werden mit pathetischem Ernst inszeniert. Das ist wohl eine deutsche Eigenheit. Humoristische Leichtigkeit trotz eines ernsten Sujets, wie man sie z. B. in Ginger Snaps (Wir sind die Nacht hat einen vergleichbaren postfeministischen Ansatz: es gibt nur noch weibliche Vampire, weil die Männer zu laut und gierig waren) oder eben True Blood findet, sucht man im Gansel-Film vergebens.

Als gebürtigem Berliner haben mir allerdings einige Locations gut gefallen. Insbesondere der Showdown in den Ruinen der riesigen US-Abhöranlage auf dem Teufelsberg war toll gewählt. Gehe in der Ecke öfters joggen und wundere mich seit Jahren, warum man dieses großartige Gelände nicht längst für Filme verwendet hat.

Witzig finde ich auch, dass sie das Polizei-Doppel Max Riemelt - Arved Birnbaum quasi direkt aus Dominik Grafs großartigem Im Angesicht des Verbrechens übernommen haben. Aber derartige Casting-Witzchen machen aus einem mittelmäßigen Drehbuch bestimmt keinen guten Film.

Leider verpasst: Piranha 3D

November

Harry Potter and the Deathly Hallows Part I: Bedeutend besser als der grottige sechste Teil, der für mich den filmischen Tiefpunkt der Reihe darstellt. Hauptproblem aber bleibt, dass keine zusammenhängende, epische Atmosphäre aufkommt, jeder Film für sich steht und auch die Schauspielleistungen der drei Hauptdarsteller über die Jahre nicht viel besser geworden sind. Zum Glück hat es sich bald ausgepottert.

Dezember

Nichts.

F A Z I T

Bester Film: Me & Orson Welles

Honourable Mention: A Serious Man, Halloween II, The Road, The Social Network; The Ghost Writer, Bad Lieutenant, Mary and Max

Beste Serie: Boardwalk Empire

Honourable Mention: Im Angesicht des Verbrechens

Größter Flop: A Nightmare on Elm Street

Runners-up: The Lovely Bones, Predators, Karate Kid, das neue imdb-Layout

Recently Watched Movies #21

2010-12-13T14:42:00.001+01:00

How to Make a Book with Steidl 50

Inception 65

Harry Potter and the Philosopher's Stone 60

Boardwalk Empire Season 1 83

Annie Hall 69

District 9 80

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull 50

Top Gear: Polar Special 55

The Abyss SE 53

The Prowler (1981) 42

Bored to Death Season 2 52

Recently Watched Movies #20

2010-12-02T23:04:00.000+01:00

Bakjwi (dt. Titel: Durst) 60

Thieves Highway 75

Kommissarin Lund - Das Verbrechen II 60

Son of Rambow 70

Whatever Works 65

Das weiße Band 98

Harry Potter and the Deathly Hallows Part 1 70

Raining Stones 63

Neue Vahr Süd 68

Me and Orson Welles 88

Recently Watched Movies #19

2010-11-20T15:22:00.000+01:00

Terminator 2 - Extended SE 92

En folkefiende (2005) 63

An Enemy of the People (1978) 55

Apocalypse Now Redux 95

Hearts of Darkness: A Filmmaker's Apocalypse 70

The Descent 65

Looking for Eric 71

Hidden Agenda 75

It's a Free World 63

Carla's Song 45

Donnie Darko 97

Recently Watched Movies #18

2010-11-08T22:29:00.002+01:00

Schulz und Schulz IV 68

Schulz und Schulz V 62

Garden State 70

Hung Season 2 45

Wir sind die Nacht 48

The Ghost Writer 85

A History of Violence 96

Scott Pilgrim vs. the World 61

Recently Watched Movies #17

2010-10-24T00:30:00.009+02:00

The Eiger Sanction 52

Schulz und Schulz 66

Schulz und Schulz II 68

Schulz und Schulz III 68

In the Heat of the Night 74

Bullitt 70

The Cutting Edge: The Magic of Movie Editing 60

Verblendung 58

Verdammnis 50

Vergebung 58

Bonnie and Clyde 77

Recently Watched Movies #16

2010-10-22T23:25:00.001+02:00

Night Moves 72

The Social Network 78

Surrogates 60

Fried Green Tomatoes 67

Wall Street: Money Never Sleeps 69

Hai-Alarm auf Mallorca 33

Ken Loach: Filmemacher müssen Störenfriede sein!

2010-10-21T15:31:00.004+02:00

Zur Eröffnung des diesjährigen Londoner Film Festivals hielt Regisseur Ken Loach eine gepfefferte Rede zur Lage des Kinos. So freute er sich beispielsweise darüber, dass zwei hochrangige BBC-Menschen dieser Tage ihren Job verlieren, beklagte den mangelnden Zugang zu Filmen des Weltkinos (nur rund 3 Prozent der in Großbritannien gezeigten Filme seien ohne US-Einfluss entstanden) und rief seine Kollegen dazu auf, sich der großen Gleichmacherei entgegenzustellen, unbequem zu sein, sich gegen das Establishment zu stellen und schon gar nicht vor der Queen im Staub zu kriechen.

Eine Zehnminutenversion der sogenannten Keynote Speech gibt's bei youtube.

Die vollständige Rede bekommt man auf der offiziellen BFI-Seite zu sehen.

Bleibt zu hoffen, dass seine Worte Wirkung zeigen!

Recently Watched Movies #15

2010-10-06T23:06:00.000+02:00

Get Him to the Greek 45

Predators 35

A Nightmare on Elm Street (2010) 18

True Grit (1969) 68

Z 89

Twelve 60

My Bloody Valentine (2009) 49

Tod einer Schülerin 35

Wall Street 75

Recently Watched Movies #14

2010-09-29T18:48:00.002+02:00

Brute Force (1947) 74

Homicide (1991) 78

The Lost World: Jurassic Park 63

A History of Violence 96

Bad Lieutenant (2009) 70

Kabale und Liebe (2005) 62

Jurassic Park 3 45

Commando 55

24h Berlin 70

True Blood Season 3 70

Rambo 48

Mississippi Burning 88

TV vs. Kino: Boardwalk Empire startet diesen Sonntag

2010-09-18T10:02:00.008+02:00

Filmfreunden ist schon lange klar, dass moderne Serien Kinofilmen künstlerisch in nichts mehr nachstehen, sie sogar überflügeln, wenn es um Figurenzeichnungen, Plot-Komplexität und das Sprengen von Tabugrenzen geht. Nun startet am morgigen Sonntag die 20 Millionen Dollar teure Pilotfolge von Boardwalk Empire auf dem US-amerikanischen Bezahlfernsehsender HBO. Regie hat niemand geringerer als Martin Scorsese geführt. Setting: Atlantic City zu Beginn der Prohibitionsära. In der Hauptrolle: Steve Buscemi als Gangster namens Nucky Thomspon. Natürlich kommen einem die Sopranos ins Gedächtnis, wenn man die Schlagworte HBO, Gangster und Steve Buscemi hört. Und HBO scheint mit Boardwalk Empire an die Erfolge der im Sommer 2007 ausgelaufenen Serie anknüpfen zu wollen. Ich bin sehr gespannt!

Die Süddeutsche geht heute in einem lesenswerten Artikel ausführlich auf die neue HBO-Serie ein. Offenbar sind viele US-Kritiker (aber auch Drehbuchautoren) frustriert über das derzeitige Kinoangebot und die beschränkten Möglichkeiten, die Filmstudios dieser Tage noch erlauben.

Recently Watched Movies #13

2010-09-13T22:16:00.000+02:00

Elementarteilchen 63

The Hit 82

The Expendables 50

Jurassic Park 65

Ein kurzer Film über das Töten 92

Phantoms 35

Tatort: Schmale Schultern 58

The Black Dahlia 90

Recently Watched Movies #12

2010-09-08T22:54:00.001+02:00

American Ninja 50

Nightmare Alley 70

Home Movies 50

The Texas Chain Saw Massacre (1974) 72

Ride with the Devil 75

Public Enemies 62

Carrie 2: The Revenge 30

Prince of Persia: The Sands of Time 50

Soul Kitchen 78

Im Juli 67

Cruising 70

Hannibal 65

Zabriskie Point 81

De Palma Blog Radio Tribute beginnt

2010-09-06T16:02:00.006+02:00

Heute in fünf Tagen feiert Brian De Palma seinen 70. Geburtstag. Movie Geeks United! nimmt dies zum Anlass, um eine Woche lang Sondersendungen zu De Palmas Thrillern zu senden. Es geht los mit einer Radioshow zu Sisters. Gäste sind der Fimkritiker John Kenneth Muir und Produzent Edward R. Pressman. Muir nahm seine Teilnahme zum Anlass, um auf seine (überaus scharfsinnige) Rezension zu Sisters hinzuweisen.

Der weitere Plan für die Sendungen (übernommen von Geoff):

The De Palma Thriller: CARRIE - Tuesday, September 7 at 10pm EST
featuring special guests author/critic John Kenneth Muir, actress Nancy Allen, and additional insights from critic Armond White

The De Palma Thriller: DRESSED TO KILL - Wednesday, September 8 at 10pm EST
featuring special guests author/critic John Kenneth Muir, actress Nancy Allen, actor Keith Gordon, and producer George Litto

The De Palma Thriller: BLOW OUT - Thursday, September 9 at 10pm EST
featuring special guests author/critic John Kenneth Muir, actress Nancy Allen, and producer George Litto, with additional insights from cinematographer Vilmos Zsigmond.

The De Palma Thriller: RAISING CAIN - Friday, September 10 at 10pm EST
featuring special guests author/critic John Kenneth Muir and editor Paul Hirsch.

Für Mitteleuropäer liegen die Sendezeiten leider ungünstig: Jeweils um 4.00 Uhr morgens kann man live dabei sein. Falls das nicht geht, stehen einem im Anschluss natürlich Podcasts zur Verfügung. Als kleinen Appetitanreger darf man sich schon einmal die mittlerweile fast drei Jahre alte Sendung zu Redacted genehmigen.

Recently Watched Movies #11

2010-08-22T11:35:00.001+02:00

Femme Fatale 97

Dressed to Kill 99

Blow Out 93

Body Double 95

The Midnight Meat Train 74

Chatroom 73

Brotherhood (2010) 45

Die Physiker 66

The Hills Have Eyes 2 (2007) 49

The Cottage 60

Recently Watched Movies #10

2010-08-14T23:30:00.000+02:00

The Dark Knight 62

Coraline 63

Nightmares in Red, White and Blue 54

Soulman 58

Shutter Island 66

In a Lonely Place 75

Roots Episodes 1-3 88

Roots Episodes 4-6 70

Amistad 44

Sisters 85

Watchmen (DC) 82

The Hills Have Eyes (2006) 67

Film noirs in Kürze: The Hitch-Hiker

2010-08-07T19:03:00.006+02:00

Ida Lupino ist die Kathryn Bigelow der 40er und 50er Jahre. Mit The Hitch-Hiker hat sie einen reinen Männerfilm inszeniert. Die einzig weibliche Person des Films ist ein mexikanisches Kind, das in nur einer Szene auftaucht. Erzählt wird die auf einer wahren Begebenheit beruhende Entführung zweier Freunde, die einen Ausflug nach Mexiko machen wollen und dabei einen Anhalter mitnehmen, der sich als geistig gestörter Killer entpuppt und fortan sadistische Spielchen mit den beiden treibt. William Talman spielt den Maniac wundervoll diabolisch. - Trotz der Weite des staubigen Wüstenlandes, das die drei Männer mit ihrem Wagen durchqueren und das immer wieder in Panoramaaufnahmen eingefangen wird, handelt es sich bei The Hitch-Hiker um ein eindringliches Kammerspiel, das von der Dynamik lebt, die zwischen den Figuren entsteht. Mit 70 Minuten Länge ist dieser kleine aber nicht unfeine Film noir auf den Punkt inszeniert.
66 Punkte.

Film noirs in Kürze: Quicksand

2010-08-06T21:48:00.004+02:00

Quicksand: Ein junger Automechaniker gerät in Treibsand: Um eine attraktive Blondine ausführen zu können, borgt er sich 20 Dollar aus der Werkstattskasse, muss einen zweifelhaften Deal eingehen, um das Geld rechtzeitig zurückerstatten zu können, begeht daraufhin einen kleineren Raubüberfall und später einen größeren. Je mehr er versucht, sich aus der finanziellen Bredouille zu befreien, umso tiefer versinkt er im titelgebenden Treibsand. Ursprung des Übels ist freilich die Femme fatale. - Eine kleine, sehr strukturiert geschriebene, aber deshalb auch zu plakativ geratene Fabel über sittsames, regelkonformes Verhalten. So dämlich, wie sich der Protagonist einige Male verhält, lässt einen mehr als nur die Stirn runzeln. Sein törichtes Handeln tut dem Zuschauer manchmal geradezu weh. Und auch das semi-versöhnliche Ende ist ein klarer Minuspunkt. Doch die Geschwindigkeit, mit der sich der Plot entfaltet und die zurückhaltende, nüchterne Inszenierung, die sich der Handlung völlig unterordnet, lässt Quicksand zu einem kurzweiligen Noir-Vergnügen werden. Kein großer Film, aber auch kein komplett misslungener.
59 Punkte.

Recently Watched Movies #9

2010-07-29T11:12:00.000+02:00

When You're Strange 61

Predator 72

Me and Orson Welles 93

The International 82

King of New York 71

Das Mädchen, das durch die Zeit sprang 63

Der Regenschirmmörder 60

Inception 86

Gedrucktes: A Man in Full

2010-07-14T15:35:00.016+02:00

„Führe mich, oh Zeus!“ Conrad, eine Hauptfigur in Tom Wolfes A Man in Full, entdeckt in einer für ihn äußerst bedrohlichen Situation zufällig die Schriften der Stoiker. Zunächst verärgert über das ihm falsch gelieferte Buch, begreift Conrad schnell, dass ihm die Gedankengebäude der alten Philosophen einen Leitfaden geben, nach dem er sein Verhalten, ja sein gesamtes Leben ausrichten kann. Besonders Epiktet, ein von den Römern ins Exil geschickter Grieche, mit seiner radikalen Haltung zu innerer Freiheit und Selbstbestimmung hat es Conrad angetan. Der religionslose Conrad wird zu einem Jünger der Stoa. Tom Wolfe gelingt es anhand dieser zugegebenermaßen konstruierten Figur, deren (nach Plausibilitätsmaßstab) unrealistischen Lebensabschnitt wir nur über einen verhältnismäßig kurzen Zeitraum verfolgen, dem Leser ohne philosophische Vorbildung den Stoizismus als überaus faszinierende und wahrhaftige Gedankenschule vorzustellen, sie sogar glaubhaft in die Sphäre einer sympathischen Religion zu erheben. Jeder Mensch, so lernen wir, trägt den Funken Zeus' in sich, der ihm im Gegensatz zu weltlichen Besitztümern und dem eigenen Körper nicht genommen werden kann. Nicht einmal Zeus ist dazu in der Lage.

Diesen Funken zu erkennen, ihn anzunehmen und als Grundlage für ein zufriedenes, sinnvolles Leben zu begreifen, davon sind die Figuren in A Man in Full weit entfernt. Wie schon in Wolfes A Bonfire of the Vanities sind sie Getriebene der Gier: der Gier nach Geld, der Gier nach Macht, der Gier nach Sex.

Der Stoiker Epiktet gibt Werte vor, die einen wahren Mann ausmachen.

Neben Conrad ist Charlie Croker die zweite Hauptfigur des in der englischen Hardcoverausgabe 742 Seiten umfassenden Romans aus dem Jahr 1998. Charlie Croker ist ein in die Jahre gekommener ehemaliger Football-Star, der unter einem arthritischen Knie leidet und sich zu einem der einflussreichsten Unternehmer Atlantas hochgearbeitet hat - ein egomanischer, erzkonservativer Südstaatler, dem eine gigantische Plantage mit 36 Gebäuden (inklusive schwarzen Personals) gehört, auf der er leidenschaftlich gerne Wachteln jagt. Er nennt einen Luxusjet sein Eigen und führt das Leben eines reaktionären Multimillionärs. Seine political incorrectness sorgt regelmäßig dafür, dass sich sein pubertierender Sohn aus erster Ehe sowie seine bildschöne, blutjunge zweite Frau für ihn schämen. Charlie Croker, dieser Südstaatenbulle, hat sich mit seinen Immobilienbauten dermaßen verschuldet, dass ihm die Bank heftig einheizt: Wolfe führt uns eine wahnwitzige „workout session“ vor, bei der der körperlich mächtig wirkende Charlie von den Bankern verbal auseinandergenommen wird und den Konferenzraum schweißgebadet wie ein Häufchen Elend verlassen muss. Die unmittelbare Folge dieser Konferenz: Charlie kürzt 15 Prozent der Arbeitskräfte seines Lebensmittelkonzerns. Diese Entscheidung wirkt wie ein umgeworfener Dominostein im Lebenslauf Conrads, der am anderen Ende der USA seinen Job im riesigen Kühlhaus von Croker Global Food verliert.

Charlie Croker: Ein amerikanischer Bulle kämpft um seine Existenz.

Crokers Kampf gegen den Konkurs ist verflochten mit einem weiteren Handlungsstrang: der angeblichen Vergewaltigung einer jungen weißen Studentin durch Fareek Fannon, einem unsympathischen schwarzen Topathleten. Die vermeintliche Vergewaltigung gewinnt an Brisanz, als öffentlich wird, dass es sich um die Tochter eines äußerst einflussreichen Unternehmers und engen Freund Charlies handelt. Charlies Verhältnis zu diesem Unternehmer befördert ihn unwillkürlich in eine Situation, die ihn moralisch zu zermalmen droht.

Traten im New-Yorker-80er-Jahre-Roman The Bonfire of the Vanities die ethnischen Konflikte noch offen und konfrontativ zu Tage, werden sie im Atlanta der 90er Jahre anders verhandelt. So versuchen alle Parteien eine öffentliche Debatte des Vergewaltigungsfalles zu vermeiden. Insbesondere der schwarze Bürgermeister ist auf Schadensbegrenzung bedacht, weil ein solcher Fall nach seiner Überzeugung in den Kern der Angst des weißen Mannes vordringe.

Überhaupt – darauf lässt bereits der Titel schließen - ist die Frage nach Männlichkeit eine ganze wesentliche: Mit Charlie und Conrad werden zwei grundverschiedene Männlichkeitsbilder entworfen. Charlie, der sich vor allem durch Äußerlichkeiten als Mann definiert (Körperkraft, Geschäftserfolg, Reichtum, sportlicher Ruhm, Ansehen in der High Society usw.), steht Conrad gegenüber, dem mit Ausnahme eines ungewöhnlich hohen Maßes an Körperkraft sämtliche dieser Eigenschaften fehlen. Genau hier kommt wieder Epiktet ins Spiel, der eine moralische Tapferkeit predigt, der Conrad selbst unter Lebensgefahr treu bleibt. Quasi im Vorbeigehen hebelt Wolfe in einer Gefängnisepisode das innerlich völlig hohle Männlichkeitsbild von Strafgefangenen aus: Als es darum geht, jemanden in Not zu helfen, verweigern die Knast-Männer aus Angst vor den Folgen einem Häftling die Hilfe. Nur Conrad hört auf seinen Sinn für Gerechtigkeit und hilft dem Mann, zeigt im Gegensatz zu den anderen Insassen Courage und Mitgefühl. Sein Glaube an die Stoa lässt ihn auch weitere brenzlige Situationen meistern.

Zu den weiteren zentralen Figuren des Romans zählen der versnobte schwarze Rechtsanwalt Roger White II., der frustrierte Banker Raymond Peepgass sowie Martha Croker, die enttäuschte erste Ehefrau Charlies. Wolfe jongliert souverän mit dieser Vielzahl an Figuren und den fein verzahnten Handlungssträngen. Wie Schachfiguren werden sie für das große Finale in Stellung gebracht. Gleichzeitig schafft er Situationen, die seine Leser so schnell nicht vergessen dürften: Um potentielle Investoren zu beeindrucken, lädt Croker für ein Wochenende auf seine Plantage. Höhepunkt des zweiten Tages ist der Zuchtstall, bei dem seine Gäste (und der Leser) Zeuge werden, wie eine Mähre von einem gewaltigen Hengst bestiegen wird. Wie Wolfe die akribische Vorbereitung, die technische Umsetzung und das gleichermaßen faszinierte wie schockierte (gemischte) Publikum mit Genuss am Detail beschreibt, lassen dieses Kapitel zum einprägsamsten des gesamten Textes werden. Habe ich das gerade tatsächlich gelesen oder habe ich mir das nur eingebildet?

Er sieht aus wie ein Dandy.
Und wahrscheinlich ist er auch einer:
Tom Wolfe ist der Mann in Weiß.

Noch beeindruckender wird der Roman, wenn man weiß, wie gründlich Wolfe recherchiert. Faktentreue ist ihm wichtig, schließlich gehört er zu den Mitbegründern des New Journalism, einer literarischen Strömung, die eine Vielzahl literarischer Methoden gebraucht, um lebendig zu erzählen und den Leser zu fesseln, gleichzeitig aber darauf bedacht ist, korrekte Fakten und akkurate Details zu verwenden. Nach eigener Aussage versuchte er sogar an einer „workout session“ als stiller Beobachter teilzunehmen. Doch die Banken mauerten. Allerdings könne er fünf Quellen nennen, die eine derartige Szene, wie er sie im zweiten Kapitel schildert, bezeugen könnten. Die Genauigkeit von Wolfes Recherche schlägt sich auch in minutiösen Beschreibungen nieder: Botanik, Kleidung, Kunstwerke (z. B. Stücke des afrikanischen Yoruba-Volkes) werden genau geschildert. Dies geschieht meist aus der Perspektive einer der Figuren, sodass die Ausführungen auch der Charakterisierung dienen. So hat Roger White, der Anwalt des angeklagten Footballspielers, ein fast krankhaftes Verhältnis zur Kleidung, versucht Menschen auf der Grundlage ihrer Garderobe einzuschätzen – und liegt damit meist richtig.

A Man in Full ist mittlerweile zwölf Jahre alt. Wolfes Bestreben war es, einen Roman zu verfassen, der in der Gegenwart spielt. Im Entstehungsprozess, der sich elf Jahre hinzog, realisierte Wolfe schnell, dass sich die Gegenwart rapide ändert. Und so merkt man seinem Werk im Jahr 2010 das (vergleichsweise junge) Alter natürlich an. Doch das ist ohne Belang. Denn das, was Wolfe über das Amerika der 90er Jahre zu sagen hatte, gilt auch heute noch, und zwar international. Die Weisheiten des Epiktet sind zeitlos.

Recently Watched Movies #8

2010-07-14T14:20:00.000+02:00

Please Give 59

Mary & Max 75

Gegenschuss: Aufbruch der Filmemacher 52

The Road 84

Gorky Park 53

Patrick Stewart wird 70

2010-07-13T10:20:00.003+02:00

Happy Birthday!

Recently Watched Movies #7

2010-06-19T23:52:00.005+02:00

The Black Dahlia 89

24 Season 8 75

The Untouchables 87

Das Wunder von Bern 54 ;-)

Point Break 68

Sherlock Holmes (Zweitsichtung) 70

Ich war neunzehn 72

Carlito's Way 92

The Lovely Bones 25

Black Dahlia: Blu-ray im September

2010-06-14T23:27:00.008+02:00

In den USA erscheint im September The Black Dahlia auf Blu-ray. Amazon.com listet den Film für den 07.09.2010. Ich habe ihn mir erst vor kurzem erneut angesehen und freue mich schon jetzt auf eine hochauflösende Fassung. Die Extras werden wie schon bei den Untouchables und Carlito's Way direkt von der DVD übernommen - ist ja auch egal, solange das Bild eine deutlich sichtbare Verbesserung darstellt. Die deutsche Scheibe wird dann wohl nicht mehr lange auf sich warten lassen.

World Cup 2010 - Vorfreude

2010-06-10T17:47:00.002+02:00

Voller Vorfreude auf die morgen beginnende Weltmeisterschaft werde ich mir heute Abend wohl noch einmal John Cleeses The Art of Football from A to Z anschauen. Hier ein kleiner Ausschnitt...

Recently Watched Movies #6

2010-05-27T23:04:00.007+02:00

Viele Serien habe ich in letzter Zeit konsumiert. Extra erwähnenswert ist Dominik Grafs fürs deutsche Fernsehen ungewöhnlich vielschichtiger Blick ins (fiktive) Berliner Gangstermilieu. Nicht nur weil eine Schlüsselszene zehn Meter von meinem ehemaligen Hauseingang spielt, ist dies vermutlich die wichtigste und beste deutsche Serienproduktion der letzten zwanzig Jahre. Hier wird HBO-Qualität erreicht!

An American Werewolf in London 90

Hung Season 1 65

Im Angesicht des Verbrechens 85

Iron Man 2 62

The Wolfman (2009) 43

Lost Season 6 50

Surrogates 56

Blood Surf 58

Die 30 besten Sommerblockbuster

2010-05-09T14:11:00.003+02:00

Eine durchaus diskutable Bestenliste hat das New Yorker Time Out Magazin zusammengestellt: Die 30 angeblich besten Sommerblockbuster werden hier in eine Reihenfolge gebracht, die ich nicht durchweg nachvollziehen kann. Was der grausige Pirates of the Carribean dort verloren hat, ist mir beispielsweise ein Rätsel. Und was ist mit Filmen wie The Untouchables oder Mission: Impossible, denkt der voreingenommene De Palma-Jünger natürlich sofort! Naja, Hauptsache solche Gurken wie Face/Off und Star Trek (2009) befinden sich unter den "besten" 30. Die Top 5 sind wenigstens annehmbar.

Und was lernen wir daraus? Es macht Spaß, sich über dämliche Listen aufzuregen!

Recently Watched Movies #5

2010-05-08T15:32:00.004+02:00

Dirty Harry 82

Magnum Force 78

The Enforcer 55

Sudden Impact 63

The Dead Pool 60

Yes Man 64

The Box 73

All that Heaven Allows 90

The Mist (DC) 68

Zodiac 84

Falling Down 92

The Lion King 67

Recently watched Movies #4

2010-04-15T18:15:00.004+02:00

500 Days of Summer 15

Cop Out 47

The Truman Show 74

The Pervert's Guide to Cinema 78

Doubt 72

Im Einsatz für Haie 70

Bis nichts mehr bleibt 60

Die Grenze 30

Birth 87

Ninja Assassin 62

Scarface als Schultheater

2010-03-30T15:52:00.004+02:00

Das Video, was ich bei Geoffs De Palma a la Mod entdeckt habe, lässt mich etwas ratlos zurück. Gut, es ist unterhaltsam, aber ist das noch okay? Wissen die Kleinen überhaupt, was sie da spielen? Laut Geoff wird auch gemunkelt, dass das alles gefaked sein soll, es sich also nicht tatsächlich um eine Schulaufführung handelt. Wie gesagt: Ich weiß nicht recht, was ich davon halten soll.

EDIT 31.03.2010:

Das Video hat für viele Diskussionen gesorgt. Es war gestern und heute das meist gesehene youtube-Video in Kanada und Australien und es handelt sich in der Tat NICHT um eine Schultheateraufführung, sondern um eine Kreation des Viralmarketeingexperten Mark Klasfeld. Näheres erfährt man hier und hier bei Geoffs De Palma a la Mod.

Recently watched Movies #3

2010-03-29T23:40:00.008+02:00

In den letzten paar Tagen bin ich immerhin viermal im Kino gewesen und habe auch die Zeit gefunden, ein paar Filme gebeamt bzw. auf DVD und Blu-ray zu sehen.

Brooklyn's Finest (ohne Wertung)

Daybreakers 62

Survival of the Dead 47

Splice 50

Le salaire de la peur (Lohn der Angst) 88

Law Abiding Citizen 68

Donnie Darko (dt. Fassung) 80

The Boondock Saints II: All Saints Day 80

Recently watched Movies #2

2010-03-12T23:12:00.007+01:00

Ich gebe zu: Mit meinen Oscartipps lag ich kräftig daneben. Dafür bin ich mit meiner Filmauswahl der letzten zwei Wochen recht zufrieden.

Gomorra 66

The House of the Devil 77

The Limits of Control 68

In Treatment Season One 65

All that Heaven Allows 90

Has Anybody Seen My Gal? 63

The Taking of Pelham 123 (2009) 56

Oscartipp

2010-03-07T09:17:00.004+01:00

Ich bin kein Fan der Oscarnacht. Das öde Stapfen über den roten Teppich, die dümmlichen Smalltalks und meist erschreckend hässlichen Garderoben der Schauspielerinnen turnen mich ebenso ab wie die unmenschliche Uhrzeit, zu der das Großevent stattfindet. Bei den Dankesreden kommt man aus dem Fremdschämen gar nicht mehr heraus und die gefühlten 2000 Werbeuntebrechungen tragen nicht zur Spannung, sondern vielmehr zur Verärgerung bei. Meines Erachtens muss man schon einen ungesunden Hang zum Masochismus besitzen, um sich diese "Show" in Gänze anzusehen. Der Einfluss der Oscars ist aber natürlich unbestreitbar. Einen Tipp kann ich mir deshalb nicht verkneifen. Da die Academy dumm und erzkonservativ ist, wird AVATAR natürlich mächtig abräumen.

Bester Film

Der mit dem Schlumpf tanzt

Regie

Cameron

Fremdsprachiger Film

Das weiße Band

Hauptdarsteller

Jeff Bridges - Crazy Heart

Nebendarsteller

Christoph Waltz - The Glorious Adventures of the Jew Hunter

Hauptdarstellerin

Sandra Bullock - A Blind Side

Nebendarstellerin

Maggie Gyllenhaal - Crazy Heart

Zeichentrickfilm

Coraline

Art Direction

Avatar

Kamera

Avatar

Kostüme

Nine

Doku

The Cove

Kurzdoku

The Last Truck: Closing of a GM Plant

Schnitt

Inglourious Basterds

Makeup

Star Trek

Musik

Zimmer - Sherlock Holmes

Song

The Weary Kind - Bingham & Burnett (Crazy Heart)

Kurzfilm Zeichentrick

A Matter of Loaf and Death

Kurzfilm

The New Tenants

Tonschnitt

Avatar

Soundmix

Avatar

Effekte

Avatar

Drehbuch (adaptiert)

District 9

Drehbuch (original)

Inglourious Basterds

Bei einigen Kategorien musste ich natürlich raten, weil ich keinen der Nominierten kenne.

Und zuletzt: So sehr ich die Filme Kathryn Bigelows schätze und ihr einen Oscar wünsche, wäre eine Auszeichnung für den durchaus spannenden aber gänzlich unrealistischen und politisch mutlosen Hurt Locker für mein Empfinden lediglich als Alibi-Oscar für eine Frau zu verstehen und deshalb in seinem Wert arg geschmälert.

Recently watched Movies #1

2010-02-28T15:17:00.013+01:00

Inspiriert von Rajkos neuer Blog-Rubrik möchte auch ich meine wenigen treuen Leser wissen lassen, was ich in der letzten Zeit so alles gesehen habe und wie mir die Filme gefallen haben. Für ausführlichere Besprechungen steht momentan leider nicht genügend Zeit zur Verfügung, auch wenn ich im Grunde hochmotiviert bin, endlich mal wieder eine kleine Rezension zu schreiben.

Hier nun also eine Bewertungsliste von Filmen, die ich in den vergangenen zwei Monaten gesehen habe (einiges habe ich auch schon wieder vergessen). Es sind einige Zweit- bzw. Dritt-, Viert-, usw. Sichtungen darunter. Es gilt die 100-Punkte-Skala meiner Noir-Rubrik:

The Boxer (1998) 65
Inglourious Basterds 90
Avatar (3D) 70
Give 'em Hell Malone 45
A Serious Man 85
Sherlock Holmes (2009) 67
The Hurt Locker 70
The Color Purple 60
Verblendung 70
Halloween II (2009) 83
Effi Briest (2009) 25
Magnolia 98
Metropolis 95
Shoot 'em Up 20
The Last Boy Scout 90
Synecdoche New York 55
Die Marquise von O... (1976) 50
2012 30
Fargo 92
Written on the Wind 90
Black Book 40
Der vierte Mann 80
Türkische Früchte 70
Gran Torino 80
The Godfather 95
There's Always Tomorrow 75

TV-Tipp: Midnight Movies

2009-10-31T10:24:00.007+01:00

Neben den 40er Jahren sind die 70er filmgeschichtlich sicherlich das interessanteste, weil facettenreichste, mutigste, avangardistischste Jahrzehnt des vergangenen Jahrhunderts. Auch die 90er konnten begeistern. Doch die 00er? Die klingen schon blöd. Und filmisch gab es in dieser Dekade bis auf wenige Ausnahmen auch nichts Grandioses zu feiern.

Das Bayerische Fernsehen holt vielleicht auch deshalb am morgigen Sonntag spät abends die Nostalgiekeule raus und zeigt eine Dokumentation aus dem Jahr 2005, die sich mit dem "Mitternachstkino" der wilden 70er beschäftigt: Ungewöhnlich lange Ausschnitte aus den ausgewählten Beispielen und ausführliche Interviews mit den Kult-Regisseuren machen [den Dokumentarfilm] zu einem cineastischen Vergnügen der Extra-Klasse. So heißt es auf der Website des BR.

Ein Blick auf die Filme, um die es da gehen soll, schmälert meine Begeisterung jedoch ein wenig. Denn Eraserhead und The Rocky Horror Picture Show gehören nicht gerade zu meinen Favorites der düsteren Filme aus dem Jahrzehnt langer Kotletten, gewaltiger Afros und gigantischer Schlaghosen. Dafür kommt aber auch George A. Romero zu Wort, um dessen Night of the Living Dead es sich ebenso drehen soll wie um Alejandro Jodorowskys obskuren Western El topo und John Waters Pink Flamingos.

Mein TV-Recorder ist natürlich programmiert.

Midnight Movies. Sonntag, den 01.11.2009. 23.45 Uhr. Bayerisches Fernsehen.

Endlich blu-rayisiert

2009-10-29T23:10:00.009+01:00

Es hat lang gedauert. Zu lang. Doch seit wenigen Tagen bin auch ich in der Welt der hochauflösenden Filme angelangt. Zwar nenne ich noch keinen LED-TV mein Eigen, aber mein neuer Rechner verfügt nun über einen 23-Zoll LCD Monitor und einen Blu-ray Brenner.

Kann man das hochauflösende Format auf gerade einmal 23 Zoll überhaupt richtig würdigen? Ich bin mir nicht sicher. Entjungfert habe ich den Blu-ray-Player mit der ersten Staffel von Allan Balls True Blood, einer überaus empfehlenswerten HBO-Serie, die dem mittlerweile etwas angestaubten Vampir-Stoff neues Leben einhaucht. Bild und Ton sind zweifellos herausragend. Man erkennt schnell die Überlegenheit zur DVD. Doch bei all der Freude stellte sich bei mir keine vergleichbare Euphorie ein, wie ich sie vor gut elf Jahren beim Erblicken meiner ersten DVD (Starship Troopers RC 1) verspürte. Der qualitative Abstand zwischen einem VHS-Tape und der DVD ist eben doch um einiges größer als jener zwischen der DVD und einer Blu-ray-Scheibe.

Ich blicke der Sichtung meiner ersten Blu-ray-Filme (Blade Runner / There Will Be Blood) trotzdem mit Freude entgegen. Eine Neuanschaffung bereits erworbener DVDs halte ich aber nur in Ausnahmefällen für notwendig. Die Kompatibilität mit der DVD macht es meines Erachtens überflüssig, die Filmsammlung erneut upzugraden.

Problematisch gestaltet sich auch die Frage nach Neuanschaffungen. Angenommen man möchte dringend einen alten Chaplin-Film sehen. Meinetwegen The Kid. Eine luxuriös ausgestattete DVD existiert. Eine Blu-ray natürlich noch nicht. Sattelt man nun also konsequent um und verzichtet auf interessante DVD-Releases? Oder fährt man zweigleisig, bis das Blu-ray-Angebot, das derzeit bis auf aktuelle Filme sehr wenig zu bieten hat, dem DVD-Sortiment ebenbürtig ist?

Short Cuts #14

2009-10-17T23:38:00.005+02:00

Die Herbstferien neigen sich dem Ende. Kein Post innerhalb dieser zwei Wochen darf nicht sein. Also folgen hier nun pflichtbewusst einige Kurzrezis.

Das weiße Band: Michael Haneke entwickelt sich langsam aber sicher zu einem meiner Lieblingsregisseuren. Es gibt zwar noch einige Filme, die ich aus seinem bisherigen Gesamtwerk nachzuholen habe. Das weiße Band ist jedoch unabhängig davon ein gewaltiger Film, der den Zuschauer langsam in einen Würgegriff zu nehmen versteht. Drehbuch, Kamera, Ton, Schnitt und vor allem die Schauspieler – jedes Teil greift hier perfekt ins nächste. Endete Caché mit einer völlig überraschenden, die Handlung noch einmal komplett in einem neuen Licht erscheinenden starren Einstellung auf den Treppeneingang einer Schule, greift Das weiße Band diesen thematischen Strang auf, um ihn konsequent fortzuspinnen. Das weiße Band ist zugänglicher als Caché, Funny Games oder Hanekes Kafka-Adaption Das Schloß. Das macht ihn aber keineswegs weniger faszinierend. Im Gegenteil: Gerade durch die fast schon konventionelle Erzählhaltung gelingt es dem Film, den Zuschauer umso kräftiger in seinen Bann zu ziehen. 9/10.

Couples Retreat: Drei Pärchen gehen für eine Woche auf eine Trauminsel, um ihre Beziehung zu retten. - Das komplette Gegenprogramm zum "weißen Band". Eine herzlich doofe RomCom für anspruchslose Eskapisten, die über dämliche Kalauer so richtig lachen können. Erzkonservativ, dröge, vorhersehbar, voller Stereotypen und Klischees weiß ich bis jetzt eigentlich noch immer nicht, wie ich die knapp zwei Stunden ohne Hirnschaden überstanden habe. Alfons hat sich freundlicherweise die Mühe gemacht, den Entstehungsprozess dieses Machwerks kreativ zu rekonstruieren. Dem habe ich nichts hinzuzufügen. Wohlwollende 4/10.

Away We Go: Sam Mendes ist ein Meister im Analysieren von Familienstrukturen. In Away We Go nimmt er sich ein hippieges Mitdreißigerpärchen vor, das durch eine unerwartete Schwangerschaft den eigenen Lebensentwurf neu überdenken muss. Wie soll man in Zukunft leben, um dem Kind ein angemessenes Zuhause zu geben? Auf der Suche nach Antworten bzw. einem passenden Ort fürs Kind durchstreift das Paar im rostigen Volvo die USA und trifft dabei auf Negativbeispiele oder desillusionierte Menschen. – Garniert mit überaus spaßigen Gastauftritten von Jeff Daniels oder der selbst als durchgeknallten Esotante noch schnuckelig wirkenden Maggie Gyllenhaal ist Away We Go sogar für Zuschauer ohne sonderliches Interesse am Thema „Lebenskrise von kindischen Mitdreißigern“ ein Vergnügen. An die Größe seiner vorigen Filme (Jarhead ausgenommen) kann Sam Mendes hier allerdings nicht anschließen. 6/10.

Beat it, you Hippie!

2009-08-28T16:48:00.004+02:00

Also mit 50 Prozent ist man ja nun noch kein richtiger Hippie, oder?

Mehr Infos zum Film Taking Woodstock

In der Berliner OV-Sneak lief Ang Lees neues Filmchen bereits, wie man bei Alfons nachlesen kann. Demnächst gibt's ihn dann auch für die normalen Kinogänger....

Film noirs in Kürze: Mystery Street & The Naked City

2009-08-13T23:15:00.008+02:00

Mystery Street: Der Mord an Vivian Holden (Jan Sterling) wird in diesem "CSI-Noir" (Regie: John Sturges) sechs Monate nach ihrem Tod mit modernen Methoden der Zeit rekonstruiert. Alles, was der zuständige Lieutenant Moralas (Ricardo Montalban) zu Beginn seiner Untersuchung hat, ist ein Häufchen Knochen, das am Strand gefunden wurde. Moralas wendet sich schlauerweise an das Institut für Rechtsmedizin in Harvard. Der dortige Fachmann Dr. McAdoo (Bruce Bennett) kann innerhalb kurzer Zeit Geschlecht, Alter, Zeitpunkt des Todes und den Beruf der Toten bestimmen. Das überrascht sogar den heutigen CSI-geschulten Zuschauer. Die beeindruckenden Methoden des Dr. McAdoo sind um einiges bodenständiger und nachvollziehbarer als die hypermodernen DNA-Analysen und sonstigen Tricks gegenwärtiger Kriminaltechniker. Das verleiht Mystery Street eine angenehme Aufrichtigkeit und löst in manch einem Rezipienten womöglich nostalgische Gefühle aus. Doch leider ergibt sich aus der Erzählstruktur des Films ein Spannungsproblem: Da die Identität des Täters schon relativ früh klar ist, wirken die detektivischen Arbeiten Lieutenant Moralas' in der zweiten Hälfte eher einschläfernd als spannungserzeugend. Einen solch dämlichen Kommissar habe ich in Film noirs selten erlebt. Hinzu kommt, dass es keine echte Femme fatale gibt. Sicherlich ist die verschlagene und leicht neurotische Mrs Smeerling (Elsa Lanchester) eine überaus zwielichtige Figur. Ihr fehlt aber das nötige Maß an sexueller Attraktivität, um Männer zu manipulieren. Deshalb muss sie auf andere Mittel zurückgreifen. - Insgesamt ein bedingt empfehlenswerter kleiner Film aus der Blütezeit der schwarzen Serie, der gute Werbung für Harvard macht, durch seine altertümliche Kriminaltechnik begeistern kann, jedoch teilweise zu umständlich erzählt, um durchgehend bei Laune zu halten.

63 Punkte.

The Naked City zählt wie T-Men und He Walked by Night zur Kategorie der Doku-Noirs, die Ende der 40er Jahre populär wurden. Komplett an Originalschauplätzen in New York gedreht, darf man in diesem Jules-Dassin-Film auf Skyscraper-Baustellen weilen, miefige Boxbuden von innen kennenlernen und natürlich die Stadt New York bei Tag und Nacht erleben. Immer wieder betont der allwissende Off-Erzähler, der von manchen Kritikern als die Seele der Stadt selbst verstanden wird, New York habe acht Millionen Einwohner (eine Zahl, die sich erstaunlicherweise bis heute nicht gravierend verändert hat!). Die Schwierigkeit der Polizei beim Fassen von Mördern soll auf diese Weise unterstrichen werden, denn die Anonymität der Großstadt ist das eigentliche Thema des Films. Obwohl die ermittelnden Beamten schnell einen Kreis von Verdächtigen im Mord gegen das blonde Model Jean Dexter ausgemacht haben, fällt es ihnen schwer, sich im Großstadt-Dickicht zu orientieren. Wie sich herausstellt, hängt der Mord mit ausgefeilten Juwelendiebstählen zusammen. - The Naked City überzeugt durch den mitunter rasanten Schnitt und die wunderschön abgefilmte Stadt. Hierfür gab es im Jahr 1949 jeweils einen Oscar. Aber auch die verwobene Story weiß zu überzeugen (Oscarnominierung). Lediglich schauspielerisch gibt es etwas auszusetzen: Don Taylor als Detective Halloran wirkt insbesondere zu Beginn sehr hölzern und Barry Fitzgerald als Lt. Muldoon fischt zu häufig nach billigen Lachern. Das fällt aber kaum ins Gewicht, denn beide Akteure haben auch ganz großartige Szenen. So verlangt Hallorans Ehefrau einmal von ihrem Gatten, er solle doch den Sohn verprügeln, weil dieser erneut unerlaubt auf die Straße gerannt sei. Halloran windet sich, um dies nicht tun zu müssen und erwidert auf das Drängen seiner Frau, es stehe doch nirgends geschrieben, dass dies der Mann im Hause tun müsse. Ein schöner Kommentar auf die zeitgenössische Vorstellung von Erziehung und die damit zusammenhängenden Geschlechterrollen.
65 Punkte.

Die glorreichen 7: Sopranos-Folgen

2009-08-09T01:05:00.008+02:00

In den vergangenen Wochen habe ich mir die gesamten Sopranos ein zweites, zum Teil sogar ein drittes Mal angesehen. Eine überaus lohnende Zeitinvestition, denn bei einer erneuten Sichtung kann man sich auf Feinheiten konzentrieren. Die Hauptaufmerksamkeit muss nicht mehr dem verwobenen Plot mit seinen unzähligen Figuren gewidmet werden. Stattdessen kann bewusst auf Vorausdeutungen geachtet werden. Es können schauspielerische Nuancen wahrgenommen, Kameraführung und Schnitt eher analytisch betrachtet werden. Und nach fast jeder Folge stellt man bei den Sopranos fest: Die Episode ist so kunstvoll geschrieben, bebildert, gespielt und geschnitten – es wären zwei oder drei weitere Durchgänge notwendig, um sie in ihrer Komplexität wirklich zu durchdringen. Wann kann man das schon über eine Fernsehserie sagen? Mein Güte, wann kann man das über einen Film sagen?

Im Grunde sind die Sopranos ohnehin der Gattung des Spielfilms näher als der der TV-Serie. Der behäbige Erzählgestus, überhaupt das entschleunigte Tempo, mit der sich die Handlung entfaltet, steht eindeutig in der Tradition des klassischen Erzählkinos. Jede einzelne Folge ist wie ein kurzer Independentfilm. Mit gewöhnlichem TV-Serien haben die Sopranos nicht viel gemein.

David Chase: Das Genie hinter der Kamera. Chase schuf die Serie und hat offiziell dreißig Episoden geschrieben. Ohne sein Placet wurde jedoch kein final draft realisiert. Zur spektakulären letzten Szene der Serie sagte er in einem Interview: "I have no interest in explaining, defending, reinterpreting, or adding to what is there."

Natürlich zollen die Sopranos der Godfather-Reihe ordentlich Tribut. Erfolgen in den ersten Episoden die Hommagen an den Paten noch häufig und überaus plakativ (z. B. durch offen ausgesprochene Zitate), reduziert sich die Anzahl derartiger Anspielungen im weiteren Verlauf. Nun werden sie eher motivisch integriert (z. B. Pferde-Handlung in Staffel 4). Die Sopranos reifen also mit der Zeit, werden immer erwachsener. In Staffel 5, zu einem Zeitpunkt, an dem die Macher nichts mehr zu befürchten brauchten, weil die Serie erfolgreicher war, als man je zu träumen gewagt hatte, begann man zu experimentieren und Grenzen auszuloten. So testet eine knapp 25-minütige Traumsequenz, die in einer Vielzahl aneinandergereihter Kurzszenen einmal mehr Tonys kompliziertes Unterbewusstsein abbildet, sicherlich auch die Nerven manch eines hartgesottenen Sopranos-Fans. Derartiges traute man sich nicht einmal in Six Feet Under, einer HBO-Serie, die ausgiebige Traumsequenzen von Beginn ins Konzept eingebaut hatte.

Um aus den insgesamt 86 Folgen – die Serie hat eine Gesamtspielzeit von fast 4600 Minuten, also nicht ganz 77 Stunden – die besten zu bestimmen, habe ich jede einzelne Folge mit einer Punktzahl zwischen 1 und 10 bewertet. So ist es mir nicht nur möglich, die glorreichen 7 zu bestimmen, ich kann auch die Staffeln in eine Reihenfolge bringen, indem ich den jeweiligen Punkte-Mittelwert bilde. Allerdings liegen die sechseinhalb Staffeln allesamt eng im Achtpunktebereich beieinander. Knapper Spitzenreiter ist Season 3.

Folge 6.07: Luxury Lounge
Nach einem beinahe experimentell langsamen Staffelauftakt, der sich vor allem mit Tonys Komaträumen befasste, ist Luxury Lounge die erste Episode dieser Season, in der recht viel geschieht – wenn auch nicht bezüglich der Haupterzählstränge. Doch das macht diese Folge in meinen Augen sehr sympathisch. Denn hier kann eine Hintergrundfigur endlich aufspielen: Artie Bucco, der Chefkoch: eine so wundervoll realistische Figur in diesem Zoo übergroßer Mafiagestalten! Artie kämpft in Luxury Lounge erneut mit seinen Gefühlen gegenüber einer attraktiven Angestellten, versucht verzweifelt seine Empfindungen herunterzuschlucken. Doch es gelingt ihm nicht und er provoziert einen Streit mit einem kleinen Soldaten. Auch die B-Handlung ist exzellent: „Filmproduzent“ Christopher reist mit Carmine nach L.A. Dort will er Ben Kingsley die Rolle des Bosses in seinem Mafia-Slasher „Cleaver“ aufschwatzen. Es misslingt. In einer unglaublichen Szene überfällt er deshalb Lauren Bacall und beraubt sie ihrer wertvollen Sponsoren-Geschenke. Eine fantastische Folge. Fuuack.

Folge 3.01: Mr. Ruggerio's Neighborhood
Alle Season-Openings hätten es verdient, in dieser Liste aufzutauchen. Erwähnt sei an dieser Stelle die eindringliche Montage zu Beginn von Staffel 6, die zu den poetischen Worten William H. Burroughs und lässiger Trance-Musik das Jahr zusammenfasst, welches seit dem Ende von Staffel 5 vergangen ist. Die erste Episode von Staffel 3 nimmt als erste und einzige überwiegend die Perspektive der FBI-Agenten ein. Um einen Rico-Fall gegen Tony Soprano eröffnen zu können, muss Beweismaterial gesammelt werden. Dafür will das FBI eine Wanze in sein Anwesen einschleusen. Deshalb werden Tony und seine Familie inklusive der Haushälterin rund um die Uhr überwacht. Schließlich wird nach gründlicher Analyse eine Tischlampe aufwendig nachgebaut und in Tonys Villa ausgetauscht. All diese Aktionen werden in ihrer Inszenierung natürlich ironisch gebrochen. Die Verfolgungen, Überwachungen, Einbrüche, Analysen und Methoden des FBI werden in ihrem Perfektionismus lächerlich gemacht. Einige Folgen später wird der teure Coups des FBIs quasi nebenbei komplett ad absurdum geführt. Nichtsdestotrotz bereitet es einen Heidenspaß, den Gegnern Tonys bei der Arbeit erstmals über die Schulter gucken zu dürfen.

Folge 2.07: D-Girl
Als D-Girl („Development Girl“) bezeichnet man in der Film-Predproduction eine Frau, die nach Filmstoffen für Drehbücher Ausschau hält und Kurzfassungen von Scripts verfasst. Chris verfällt in dieser Episode einem solchen D-Girl, während A.J. etwas tut, was völlig untypisch für ihn ist: Er macht sich Gedanken. Und zwar nicht irgendwelche, nein, existenzialistische Gedanken zu Nietzsches Schriften! Natürlich wird Christopher ausgenutzt und natürlich löst A.J. keine philosophischen Grundfragen, sondern wird beim heimlichen Kiffen erwischt. Wie heißt es so schön in The Black Dahlia: „Hollywood fucks you when no-one else will!“ Diese Lektion lernt Christopher Molitsanti in doppelter Hinsicht.

Folge 4.09: Whoever Did This
Als Ralphies Sohn im Garten mit Pfeil und Bogen Lord of the Rings spielt, trifft ihn ein Pfeil und verletzt ihn lebensbedrohlich. Ralph ist am Boden zerstört. Dennoch glaubt Tony, dass Ralph für den Brand im Stall seines geliebten Rennpferdes Pie-O-My verantwortlich ist und zieht ihn dafür (und für all seine anderen Vergehen) zur Rechenschaft. Der wahrscheinlich brutalste Zweikampf der Serie ist die Folge: eine dreckige Prügelei in einer geräumigen Küche, bei der reichlich Küchenutensilien zum Einsatz kommen. Ralph unterliegt Tony und seine Leiche wird von Tony und dem vollgedröhnten Chris entsorgt. – In Whoever Did This kulminieren viele Erzählstränge der letzten Folgen, werden zu einem unerwartet plötzlichen Abschluss gebracht. Gleichzeitig wird geschickt das Fundament für die weitere Entwicklung zwischen Tony und Chris gelegt. Ein fantastisches Drehbuch, das die psychologisch ausgefeilten Charaktere glaubwürdig an ihr Limit treibt und dadurch Spitzenleistungen aus den Schauspielern herauskitzelt. Joe Pantoliano at his best!

Folge 1.01: Pilot
Wie der geniale David Chase in einem Interview auf der DVD erklärt, besteht der Witz der Serie darin, dass der Gangsterboss eine Psychotherapie beginnt, weil er den Egoismus um sich herum nicht mehr ertragen kann. Tony Soprano, der egozentrischste aller Gangster, das absolute Alphamännchen, leidet unter dem, was ihn zu dem macht, was er ist. Der Pilot der Sopranos schafft es ganz wunderbar, uns direkt in die Unterwelt New Jerseys einzuführen, die wichtigsten Figuren vorzustellen und die Ausgangssituation (Boss leidet unter Panikattacken) glaubhaft zu etablieren. Das meiste davon wird in einem Rückblick erzählt, als Tony bei seiner Therapeutin Dr. Melfi sitzt und sich windet, um nicht zu viel auszuplaudern. Der ironische Blick auf die Gangsterwelt ist hier zwar noch dicker aufgetragen als in späteren Episoden, doch das schadet nicht, denn es macht von Beginn an deutlich, wohin die Reise gehen wird. Neben der letzten Folge ist dies die einzige, bei der David Chase persönlich Regie führte. Schon hier wird deutlich, wie raffiniert Chase Musik zum Erzählen einzusetzen versteht.

Folge 1.05: College
Tony und Maedow reisen nach Maine, um sich Colleges anzusehen, die Maedow besuchen könnte. An einer Tankstelle erkennt Tony einen alten Bekannten, der ins Zeugenschutzprogramm gegangen ist. - College ist eine einzigartige Folge, weil sie im Kern losgelöst von übergreifenden Handlungssträngen steht. Man kann diese Episode sehen, ohne die Figuren der Sopranos zu kennen. Sie hat ihren eigenen Spannungsbogen samt Auflösung. Etwas, was für die Sopranos eher untypisch ist. College ist aber auch eine der am schönsten beleuchteten Episoden. Es hat den Anschein, als ob David Chase hier einen kleinen Film Noir drehen wollte. Die Low-Key-Beleuchtung ist jedenfalls von atemberaubender Eleganz und erzeugt eine visuelle Dynamik, die zur Spannung von College maßgeblich beiträgt. Ein echter Leckerbissen.

Folge 3.11: Pine Barrens
Pine Barrens (Regie: Steve Buscemi) ist nicht nur ein komödiantischer Höhepunkt der Serie, die Folge legt auch die Verlogenheit einer wesentlichen Mafiosi-Eigenschaft frei. - Chris und Paulie müssen sich unvorbereitet im eisigen Wald durchschlagen, nachdem der Mord an einem russischen Ex-Elitesoldaten schiefgegangen ist. Die zwei verlaufen sich und sind gezwungen, ohne Ausrüstung und Verpflegung bei tiefen Temperaturen im verschneiten Wald zu übernachten, ja zu überleben. Zunächst noch durch ihren gemeinsamen Groll auf den widerborstigen Russen im Geiste vereint, zerstört der Überlebenswille all die familiären Bande und sät Misstrauen und Hass gegenüber dem anderen. Innerhalb kürzester Zeit sind die hehren Mafia-Werte nichts mehr wert. Eindrucksvoll beweist Buscemi in Pine Barrens sein Talent fürs Komische auch hinter der Kamera. Keine andere Folge spielt den schwarzen Humor der Sopranos so konsequent aus. Besser geht’s nicht.

Die Rückkehr der glorreichen 7

2009-08-07T00:36:00.005+02:00

Nach fast zweijähriger Pause in der Rubrik der glorreichen 7 wird es in Kürze endlich eine Fortsetzung geben! Thema: Sopranos-Folgen. Der Text ist zum Teil schon geschrieben. Ich muss nur noch die letzten acht Episoden der letzten Staffel erneut sichten, bevor ich mein endgültiges Urteil mit voller Überzeugung fällen kann. Ich hoffe, dies am Wochenende zu schaffen, sodass spätestens Ende nächster Woche die glorreichen 7 wiederauferstehen können. Da seit dem 14. August 2007, als ich die sieben größten Beerdigungen auszeichnete, in dieser Sparte nichts mehr geschehen ist, habe ich mir den 14.08. als Deadline gesetzt. Sollte ich diesen Termin nicht einhalten, werde ich zu meiner Strafe einige DVDs aus meiner Sammlung verlosen.

Slumdog Millionaire: Ein zweifelhaftes Vergnügen?

2009-07-31T16:44:00.004+02:00

Ich habe ein gespaltenes Verhältnis zum Werk des Briten Danny Boyle. Während Trainspotting einer der wichtigsten europäischen Filme der 90er Jahre ist und 28 Days Later sicherlich eine Wegweiserfunktion im Zombiefilm-Genre zukommt (durch seine realitätsnahe DV-Ästhetik wirkte dieser Streifen garantiert auch über das Horrorgenre hinaus), gehören A Life Less Ordinary und Sunshine zu jener Sorte von Filmen, mit denen man durch die Überdosis an Optik-Kitsch seine Geschmacksrezeptoren langfristig zerstören kann. In letztere Kategorie fällt gewissermaßen auch der große Oscargewinner dieses Jahres: Slumdog Millionaire. Zwar kann man diesen kunterbunten Schmachtstreifen in die Nähe des Bollywood-Kinos rücken und all das Grellbunte auf diese Weise rechtfertigen. Man übersieht dann jedoch, dass Boyle schon zuvor einen Hang zu dieser manieristischen Ästhetik hatte, die mir persönlich zuwider ist.

Nun wurde Slumdog Millionaire von einigen Kritikern Slum-Tourismus vorgeworfen. Doch dieser Vorwurf greift zu kurz. Dass die Realität um einiges komplexer ist, zeigt eine Reportage in der heutigen Ausgabe des Magazins der Süddeutschen Zeitung. Anhand der bewegten Biographie von Shafiq Syed wird demonstriert, welch positive wie negative Einflüsse der plötzliche Starstatus auf ein Slumkind haben kann: Ende der 80er Jahre wurde Syed über Nacht mit dem Film Salaam Bombay! zum Star. Salaam Bombay! gewann mehrere Preise in Cannes und war als bester ausländischer Film für den Oscar nominiert. Syeds Leben glich einer Fahrt in der Achtbahn: Vom Slum ins Luxushotel und zurück. Wie es heute um ihn steht und wie es um die Kinderstars von Slumdog Millionaire gut fünf Monate nach dem großen Sieg bei den Academy Awards bestellt ist, erfährt man in diesem Artikel des SZ-Magazins:

Ein indisches Märchen
Von Dirk Peitz

Mit dem Oscar-Film "Slumdog Millionär" wurden die Kinder Rubina und Azhar zu Stars. Aber was passiert, wenn die Kamerateams wieder weg sind? Shafiq Syed weiß es - er hat es vor 20 Jahren selbst erlebt.

Normalerweise zieht Shafiq Syed um halb sieben morgens die Haustür hinter sich zu. Seine Frau ist dann schon wach, doch die drei kleinen Kinder schlafen noch, auf dem Bett, das sich die ganze Familie teilt. Ein kleiner Raum für fünf, dazu Küche und Abstellkammer, zehn Quadratmeter insgesamt, das ist Shafiqs Zuhause. Die Gegend ist für indische Verhältnisse eine Kleinbürgersiedlung: keine Wellblechhütten, kaum Müll auf den Wegen aus roter Erde, der Strom fließt verlässlich, Wasser gibt es draußen aus dem Gartenschlauch. Die längste Zeit seines Lebens hat Shafiq von alldem nur geträumt.

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Short Cuts #13

2009-07-25T23:53:00.006+02:00

War es bereits in den letzten zwei Folgen der Potter-Filmreihe so, dass Uneingeweihte, sprich Nichtleser der Romane, erhebliche Schwierigkeiten beim Verständnis der Handlung hatten, so dürften sie in Harry Potter and the Half-Blood Prince gänzlich aufgeschmissen sein. Im sechsten Teil geschieht im Grunde nichts anderes, als die Ausgangssituation für das Finale vorzubereiten. Die Figuren werden für den Endkampf in Position gebracht. Wer zu diesem Zeitpunkt die Hintergrundgeschichte nicht kennt, sollte diesen Film besser meiden, denn erklärt wird hier nichts mehr. Der einzige gute Grund, sich diesen Brückenfilm überhaupt anzusehen, besteht im Wunsch nach Komplettierung. Denn atmosphärisch, schauspielerisch und dramaturgisch ist die Geschichte vom Halbblutprinzen, den Horcruxen und Tom Riddles Vergangenheit beinahe ein Totalausfall. Öde, ermüdend, ja beinahe einschläfernd ist das alles. David Yates' Regie wirkt lieblos und uninspiriert. Zwar weiß er die Breitwand gelegentlich mit ansehnlichen Landschschaftspanoramen zu füllen, ein Gefühl für die erforderliche dramatische Dynamik entwickelt er jedoch zu keinem Zeitpunkt. Die einzelnen Szenen erscheinen beinahe willkürlich aneinandergeklebt, an mancher Stelle mittendrin abgebrochen oder auch unerträglich in die Länge gezogen. Yates lässt also jeden Sinn für gutes Timing missen. Da werden die pubertären Liebeleien ewig ausgedehnt und dafür erhellende Episoden aus Voldemorts Familiengeschichte ausgespart. Es werden Szenen neu erfunden, die den Plot kein Stück vorantreiben - als böte die Vorlage nicht genug Stoff. Das Finale wird dafür dann im Eiltempo erzählt. Bis auf Alan Rickman weiß auch keiner der Darsteller wirklich zu überzeugen. Bezeichnenderweise ist Rickman einer der wenigen, die dem Hang zum Overacting durchweg widerstehen, uns nicht mit schwer erträglichen Grimassen (siehe insbesondere Rupert Grint und Helena Bonham Carter) behelligen. Ja, es handelt sich bei diesem Auftakt zum Ende der erfolgreichsten Fantasy-Reihe aller Zeiten ganz klar um ein Desaster. Eines der besten Harry-Potter-Bücher wurde zum bislang schwächsten Film.

Fanboys: Die Idee klingt vielversprechend: Fünf Star-Wars-Nerds wollen im Jahr 1998, ein halbes Jahr vor der Episode 1-Premiere, in George Lucas' Skywalkerranch einbrechen, um eine Frühfassung des Films zu sehen. Auf dem Weg dorthin, müssen sie sich vor allem mit verfeindeten Trekkern auseinandersetzen. So weit so gut. Klingt nach einem Roadmovie. Ist auch eines. Doch leider eines, das kein Klischee auslässt: Schwulenbar, Drogenträume, böser Zuhälter auf den Fersen, Knast. Zwischen all diesen gewöhnlichen Komödienzutaten erscheint die ernste Krebs-Nebenhandlung (einer der Nerds hat nicht mehr lange zu leben) wie ein Fremdkörper. Trotz dieser offensichtlichen Defizite hält Fanboys für Fans beider großen SciFi-Serien natürlich unendlich viele Anspielungen, Gags und Cameos bereit. Und diesem Dauerbeschuss erliegt man auch. Dass George Lucas sein Wachpersonal in THX 1138-Uniformen inklusive Masken arbeiten lässt, William Shattner einmal mehr seinen Sinn für Selbstironie unter Beweis stellt oder Harry Knowles (Ethan Suplee) als ungekrönter König der Geeks den Star-Wars-Nerds den Arsch versohlt, lässt diese Komödie dann doch sehenswert werden. Ein DVD-Release hätte aber wohl gereicht, denn optisch hat Fanboys nichts zu bieten, was nach einer großen Leinwand verlangt.

Short Cuts #12

2009-07-10T15:49:00.004+02:00

Fighting hat schon jetzt, knapp sechs Monate vor der Deadline, gute Chancen zum schlechtesten Film des Jahres gekürt zu werden. Hier kommt alles zusammen, was nicht zusammengehört: Ein einfallsloses Drehbuch, das sämtliche Klischees des Hau-und-Prügel-Genres bedient (arme aber talentierte und aufrechte Dumpfbacke verdient endlich reichlich Geld durch illegale Kämpfe und verliebt sich in eine Bardame), talentfreie Schauspieler (Channing Tatum, Zulay Henao) und Schauspieler, die deutlich unter ihren Möglichkeiten bleiben (Terrence Howard, Luis Guzmán) stottern, spucken und stammeln belanglose Sätze, die sie dann auch noch dreimal wiederholen (Is that a lot of money? - Yeah, that's a lot of money. - Man, that's a lot of money!). Da ist es nur konsequent, diese auch langweilig abzufilmen und den Look des Films auf TV-Niveau zu halten (Kamera: Stefan Czapsky). Ein trendiger Soundtrack sorgt dafür, dass sich die Zielgruppe der 10- bis 16-jährigen trotz der offensichtlichen Mängel einigermaßen wohlfühlen dürfte. Alle anderen haben eben Pech gehabt.

Wer den Trailer zu The Hangover kennt, muss den Film nicht mehr sehen, denn der Trailer schafft in 65 Sekunden, wofür der Film 100 Minuten benötigt. Für die drei oder vier guten Gags, die der Trailer nicht zeigt, kann man auch getrost auf die DVD warten. Es nimmt auch niemand Schaden, der auf diese Komödie gänzlich verzichtet. Wie bei Fighting wird die Teenage-Generation hier zweifellos ihren Spaß haben. Immerhin sind die Jokes nicht so platt-vulgär wie in der American-Pie- oder Scary-Movie-Reihe. Das sei dieser Mainstreamsommerlachgranate positiv angerechnet. Zusätzlich stellt sich Schadenfreude ein, wenn man vernimmt, dass Lindsay Lohan dem Drehbuch nicht ganz zu Unrecht „kein Potential“ bescheinigte und die Rolle der Stripperin Jade deswegen ablehnte. Nun hat der Film in der Zwischenzeit beachtliche 210 Millionen Dollar eingespielt – mangelndes finanzielles Potential kann man diesem künstlerisch bestenfalls mittelmäßigen, wirtschaftlich jedoch klug kalkulierten Werk sicherlich nicht vorwerfen. Ein guter Film ist The Hangover deshalb noch lange nicht.

2012: It's a Disaster!!!

2009-07-07T18:12:00.001+02:00

Für all jene, die den nächsten Emmerich nicht erwarten können!

Filmtipp: White Dog

2009-07-04T17:02:00.013+02:00

White Dog ist erst vor kurzem in den USA in einer luxuriös ausgestatteten Criterion Edition erschienen. Zuvor war dieses in den USA kontrovers diskutierte Spätwerk Samuel Fullers (The Naked Kiss) nicht einmal auf VHS erhältlich. In Deutschland flimmerte White Dog hingegen bereits in den 80er Jahren über TV-Bildschirme. Ein erwähnenswerter Unterschied im Umgang mit Fullers umstrittener Fabel. Ursprünglich war White Dog von Paramount als eine Art Hundeversion zu Spielbergs Jaws geplant. Doch die Studio-Verantwortlichen schätzten den Co-Autoren Curtis Hanson falsch ein. Dass Fuller noch nie Angst davor hatte, Grenzen jedweder Art zu attackieren, hätte ihnen allerdings nach einem kurzen Blick auf sein bisheriges Schaffen klar sein müssen.

Des Nachts fährt die Hollywood-Actrice Julie Sawyer (Kristy McNichol) versehentlich einen strahlend weißen deutschen Schäferhund an. Sie pflegt ihn gesund und erfreut sich zunächst an dessen Beschützerinstinkt. Doch kurze Zeit später muss sie erkennen, dass ihr neuer weißer Freund darauf abgerichtet worden ist, Schwarze anzugreifen und zu töten. Was tun? Julie entscheidet sich dazu, die Bestie vom schwarzen Hundetrainer Keys (Paul Winfield) umerziehen zu lassen.

Wanna play?

White Dog ist vom Storyverlauf ein B-Movie, das jedoch durch Fullers inszenatorisches Geschick eine Qualität erreicht, die über Genrebegrenzungen hinausgeht. Schon der Anfang ist ungewöhnlich: Nach den Credits zur großartigen musikalischen Begleitung Ennio Morricones, die es vermag, fast übergangslos zwischen Zartheit und Bedrohung zu schwanken, hören wir den Unfall, sehen ihn aber nicht. Fuller verzichtet also auf einen großen Schaueffekt zu Beginn und konzentriert sich auf die Konsequenz des Unfalls: die Beziehung zwischen Julie und dem Hund.

In bewusst simpler Metaphorik stellt White Dog Rassismus als eine erlernte Eigenschaft, als potentiell heilbare Krankheit dar und liegt somit auf der Linie eines radikalen Behaviorismus. Die Schluss-Pointe relativiert diese Haltung zu einem gewissen Grad, lässt in ihrer mangelnden Eindeutigkeit jedoch Raum für unterschiedliche Interpretationsansätze. Ist der durch den weißen Hund repräsentierte Rassismus nicht heilbar oder lediglich modifizierbar? Eine eindeutige Antwort auf diese Frage lässt der Film nicht zu. Und während in dieser Mehrdeutigkeit eine klare Stärke liegt, erlaubt der Mangel an möglichen Erklärungsansätzen für die Gründe und Ursachen von Rassismus einen berechtigten Ansatz zur Kritik. Rassismus wird als ein gesellschaftlich vorhandenes Phänomen lediglich dargestellt – welche Motive dahinter stehen, welche Formen Rassismus annehmen kann, diese Ebenen blendet Fuller aus und verspielt so die Chance, rassistisches Verhalten zu erklären. In einer Schlüsselszene am Ende, als sich der ursprüngliche Besitzer, umgeben von zwei Enkelinnen im Sonntagskleid, bei Julie vorstellt und unverblümt eingesteht, es handele sich um den besten „white dog“, den er je gehabt habe, reagiert Julie mit hilflosen Beschimpfungen. Genau hier wäre es jedoch spannend gewesen, nachzuhaken und den Hintergrund des alten Mannes auszuleuchten. Dafür hätte man einige Szenen, wie etwa den vorübergehenden Ausbruch des Hundes, über Bord schmeißen können, weil hier nichts Neues erzählt, sondern lediglich Bekanntes variiert wird.

Ursprünglicher Hundebseitzer mit Enkelinnen: Hätte wie anfangs geplant Roman Polanski Regie geführt, wären die Hintergründe für die Abrichtung des Hundes womöglich angerissen worden. Polanski musste zu dieser Zeit jedoch aufgrund einer Anklage wegen sexuellen Missbrauchs die USA verlassen.

Die Kämpfe zwischen Trainer und Hund sind im Übrigen fantastisch choreographiert, von Kameramann Bruce Surtees (Dirty Harry) blendend bebildert und von Bernard Gribble (Top Secret!) packend montiert. Insgesamt wirkt White Dog jedoch leider uneinheitlich – Julie verkommt in der zweiten Hälfte zu einer Nebenfigur, ihr Freund verschwindet ohne Erklärung völlig von der Bildfläche. Darüber hinaus gibt es Szenen, die die ursprüngliche Intention des Studios, einen Horrorfilm mit einem Hund machen zu wollen, sehr deutlich erkennen lässt. Diese etwas willkürlich wirkenden Einschübe beißen sich mit der grundlegenden Atmosphäre.

All diese Kritikpunkte, so berechtigt sie seien mögen, können nicht darüber hinwegtäuschen, dass es sich bei White Dog um eine spürbar persönliche Arbeit Fullers handelt, in der er ein weiteres Mal seine Sozialkritik deutlich zum Ausdruck bringen konnte. Vielleicht ist White Dog auch einfach nur zur falschen Zeit erschienen – es darf nämlich angezweifelt werden, dass zehn Jahre zuvor ein derartiger Film auf so massiven Widerstand gestoßen wäre. Anfang der 80er jedoch, in der Zeit des Conservative Backlash hatte der Stoff von Anfang an schlechte Karten.

Bottle Shock

2009-07-01T00:26:00.009+02:00

„Wine is sunlight held together by water.“ (Galileo Galilei)

Der unerwartete Erfolg des charmanten Independent-Streifens Sideways zieht eine ganze Reihe von Filmen nach sich, die ebenfalls den edlen Rebensaft zum Thema erklären. Nach A Good Year oder Race You to the Bottom nun also Bottle Shock. Ein Blick auf die Besetzungsliste ist vielversprechend: Alan Rickman, Bill Pullman, Dennis Farina und Freddy Rodriguez geben sich hier die Ehre. Auch der Plot scheint tauglich zu sein für einen Spielfilm, denn es wird die „wahre Geschichte“ vom internationalen Durchbruch der kalifornischen Weine erzählt: Wir schreiben das Jahr 1976. Der im Kreis der Pariser Weinelite als Außenseiter dahindarbende britische Snob Steven Spurrier (Alan Rickman) tritt eine Reise nach Kalifornien an, um die dortigen Weine zu verkosten und die besten in einem Wettbewerb gegen die angesehensten französischen Weine, die die weltweit höchste Reputation genießen, antreten zu lassen. Zugleich kämpft ein kalifornischer Winzer (Bill Pullman) mit seinem Hippie-Sohn (der junge Kirk persönlich: Chris Pine) ums finanzielle Überleben. Eine blonde Praktikantin (Rachel Taylor) und ein mexikanisches Gaumen-Genie (Freddy Rodriguez) sorgen für Nebenhandlungen.

Leider haben die Drehbuchautoren Galileos weisen Ausspruch, dass Wein Sonnenlicht ist, welches von Wasser zusammengehalten wird, lediglich im Film zitiert, jedoch nicht auf ihre eigene Arbeit übertragen. In Bottle Shock wird nämlich nichts zusammengehalten. Es läuft alles auseinander. Die Geschichte entwickelt zu keinem Zeitpunkt Momentum. Sie plätschert einfach vor sich hin. Die Figuren, die wie im Fall von Spurrier auf realen Personen basieren, werden zu billigen Stereotypen degradiert – das haben die Schauspieler offensichtlich bei den Dreharbeiten bemerkt, so gelangweilt wie sie vor der Kamera agieren. Rickman ist dank seines Talents fürs Komische der einzige Lichtblick in diesem Auflauf von Klischeefiguren: Da wäre der starrköpfige, allein erziehende Vater mit dem Herzen am rechten Fleck, der erwachsene aber träge Sohn mit dem Herzen am rechten Fleck und die sexy Praktikantin mit dem Herzen am rechten Fleck. Die Handlungsträger in Bottle Shock sind allesamt Gutmenschen. Antagonisten gibt es nicht. Dafür aber reichlich Helikopter-Aufnahmen von Weinanbaugebieten in Kalifornien und ein Finale mit einem wirklich überraschenden Ausgang (Vorsicht: Ironie!).

Bottle Shock macht dem Titel alle Ehre und ist tatsächlich ein echter Schock. Nur Alan-Rickman-Fans kann man dieses Desaster bedenkenlos empfehlen. Alle anderen sollten diesem gepanschten Gemisch aus...was eigentlich?...fernbleiben. Das hat auch der deutsche Verleih erkannt, der Bottle Shock lediglich eine Videothekenpremiere spendiert. Lieber noch einmal Sideways ansehen, denn um Bottle Shock als erträglich einzustufen, muss man schon reichlich Traubensaft in sich reinschütten.

TV-Tipp: Blow Out

2009-06-24T15:31:00.006+02:00

Blow Out wurde von De-Palma-Anhängern mehrmals zu seinem besten Film gewählt. Dies geschah nicht ohne Grund, denn das komplexe Gebilde aus Anspielungen, Verweisen und Brechungen erzeugt hier eine nahezu unerreichbare erzählerische Dichte. In Zeiten von Bush Junior wurde der Film des Öfteren zu einer Art politischen Offenbarung erklärt. Blow Out ist einmalig. Er ist Dekonstruktion eines B-Movies und intertextuelle Fundgrube zugleich. Darüber hinaus ist er ein zutiefst menschlicher Film, der zeigt, was für ein sensibler Mensch De Palma im Kern doch sein muss.

Tele 5 zeigt Blow Out am kommenden Sonntag, den 28.06.09 um 22.10 Uhr und in einer Wiederholung um 02.00 Uhr nachts.

Short Cuts #11

2009-06-24T14:40:00.006+02:00

Taken: Was für eine Adrenalin-Granate! Keine 90 Minuten dauert Liam Neesons Rachefeldzug und keine Sekunde wird mit überflüssigem Beiwerk verschwendet: Nach einer knappen Exposition geht's für den Zuschauer nur noch darum, sich auf animalisch-instinktivem Niveau mit der Hauptfigur zu identifizieren, wenn sie sich auf der Suche nach der gekidnappten jungfräulichen 17-jährigen Tochter durch die französische Unterwelt metzelt. Muss man sich dafür schämen, wenn man diesen implizit rassistischen Selbstjustiz-Reißer genießt, wenn es einem sardonische Freude bereitet, wie Neeson zur Erreichung seines Ziels kaltblütig, brutal und gnadenlos wütet, foltert und mordet? Nein, lautet die kategorische Antwort. Denn Taken macht nie einen Hehl daraus, in einem wirklichkeitsfernen Raum zu spielen. Fazit: Der abgedroschene Begriff "tour de force" trifft hier voll und ganz zu.

Der Felsen: Dominik Grafs DV-Film aus dem Jahr 2002, der die Liebesgeschichte zwischen einer innerlich verlorenen Mitdreißigerin und einem verurteilten jugendlichen Straftäter erzählt, besticht sowohl durch die überaus ungewöhnliche Ausgangskonstellation für ein Liebesdrama als auch durch die rauhe, grobkörnige, oftmals unscharfe Ästhetik der digitalen Aufnahmen. Lediglich im Mittelteil wirkt dieser experimentell anmutende Streifen etwas zäh. Hier wurde nicht konsequent genug reduziert, der Kern nicht gründlich genug herausgeschält. Der Grund: DV-Material ist billig. Dementsprechend viel wurde vermutlich gedreht - da muss man auch Szenen über Bord schmeißen können. Abgesehen davon fallen manche Drehbuchsätze wie bei den meisten Graf-Filmen sehr bemüht und affektiert aus. Doch das gehört irgendwie zu einem echten Graf dazu. Fazit: Der Felsen zählt zu den besseren deutschen Filmen dieses Jahrzehnts.

The Boy in the Striped Pyjamas: Meiner Klasse, mit der ich John Boynes Vorlage im Deutschunterricht gelesen habe, hat der Film überhaupt nicht gefallen. Hauptgrund: Die etlichen Änderungen zur Vorlage. Ich sehe das etwas differenzierter, denn den Grundton hat Mark Herman gut getroffen, die wesentlichen Aspekte von Boynes Fabel bildlich umzusetzen gewusst, ja, auch die naive Perspektive Brunos überraschend stimmig ins andere Medium transferiert. James Horners Begleitung, die manch einer vielleicht als zukleisternde Klangsoße abtun wird, passt ebenfalls zum Ton der Geschichte. Die Schauspieler (allen voran David Hayman in der Nebenrolle als Pavel) sind gut besetzt. Die abschließende Parallelmontage zu Horners immer lauter aufspielender Musik, die in plötzlicher, absoluter Stille gipfelt, beinahe ein Geniestreich. Fazit: Gelungene Literaturadaption, die keine Kompromisse eingeht.

kulturzeit über Verhoevens Jesus-Buch

2009-04-14T22:51:00.003+02:00

Als kleinen Nachschlag zum letzten Post gibt's jetzt noch einen kulturzeit-Bericht zu Paul Verhoevens Jesus-Buch:

Paul Verhoeven über Jesus

2009-04-12T15:48:00.007+02:00

In der heutigen Osterausgabe des Taggesspiegel erklärt Paul Verhoeven sein Verhältnis zu Jesus, warum sich über Religulous in den USA kein Mensch aufgeregt hat und dass es um seinen Jesus-Film, sollte er je gedreht werden, bestimmt mehr Aufregung gäbe.

"Liebe ist nur ein Trick der Natur"

Paul Verhoeven forscht seit 25 Jahren über den historischen Jesus. Er vergleicht ihn mit Che Guevara und sagt: Ein Jesus-Film wäre gefährlich.

Paul Verhoeven, 70, wurde in Den Haag geboren. Der promovierte Mathematiker ist der erfolgreichste holländische Regisseur. 1985 ging er nach Hollywood und drehte dort Filme wie „Basic Instinct“, „Robocop“ und „Total Recall“. Jetzt erscheint Verhoevens erstes Buch: „Jesus – Die Geschichte eines Menschen“.

Herr Verhoeven, wissen Sie, dass man Sie in Deutschland oft mit dem Regisseur Michael Verhoeven verwechselt, dem Ehemann von Senta Berger?

Ich kenne Michael, wir haben in den 70ern für denselben Produzenten gearbeitet. Aber ich werde nicht nur mit ihm verwechselt, sondern auch mit seinem Vater Paul. Der war ebenfalls Regisseur. Manchmal passiert es sogar, dass jemand Filme von ihm in meinen Lebenslauf mischt. Ich müsste demnach steinalt sein. Dieser Paul Verhoeven hat schon 1936 „Der Kaiser von Kalifornien“ gedreht.

Wenn man dann erklärt, Sie seien der Regisseur von „Basic Instinct", sagen die Leute: Ah, das ist doch der, der Sharon Stone unter den Rock filmte!

Die Szene hat eine lustige Vorgeschichte: Eine Kommilitonin von mir tauchte in den 60ern auf einer Party auf, hatte keinen Slip an und kreuzte immerzu die Beine. Einer meiner Freunde machte sie darauf aufmerksam, dass alle sie anstarrten. Aber sie sagte nur, ich weiß, deshalb mache ich es ja.

Das vollständige Interview gibt's hier.

Kulturzeit über 70mm-Filme

2009-02-10T12:49:00.004+01:00

Der Februar ist einer der härtesten Monate in meiner neuen Heimat Niedersachsen. Warum? Weil ich aus der Ferne miterleben muss, wie tolle Filme auf der Berlinale laufen. Der Wettbewerb interessiert mich dabei allerdings am wenigsten. Diese Filme bekommt in der Regel ein paar Wochen später auch noch regulär im Kino zu sehen, spätestens aber auf DVD sind sie dann leicht greifbar zu machen. Nein, das Interessanteste läuft normalerweise im Panorama, Forum und dieses Jahr ganz besonders in der Retrospektive! Wann und wo bekommt man sonst schon unlängst restaurierte 70mm-Schätze auf der großen Leinwand zu sehen?

Ja, manchmal ist das Leben hart. Jetzt brachte kulturzeit gestern auch noch einen Bericht über eben diese Filme...

Cahiers du cinéma wählt Redacted zum besten Film 2008

2009-01-22T08:57:00.004+01:00

Das altehrwürdige und vielleicht beste Filmmagazin der Welt Cahiers du cinéma hat kürzlich seine Favoriten des Jahres 2008 veröffentlicht. Brian De Palmas Redacted landete dabei auf Platz eins! Die vollständige Liste kann man hier abrufen.

OnlineTvRecorder - Ein Erfahrungsbericht

2008-12-31T16:43:00.010+01:00

Ich besitze keinen Festplattenrekorder, musste aufgrund meines Umzugs von Berlin in die niedersächsische Provinz vor gut einem Jahr von der exzellenten DVB-T-Qualität wieder auf das minderwertige analoge Kabelfernsehsignal umsteigen. Damit lohnt sich das Aufzeichnen von Fernsehsendungen mit dem Computer nicht mehr. Im Notfall verwendete ich meinen Videorekorder. Seit einem Monat bin ich nun aber Benutzer eines Online-Videorekorders. Genauer gesagt, ich habe mich unter den zur Auswahl stehenden Internet-Videorekordern für www.onlinetvrecorder.com entschieden. Der Grund: Er ist kostenlos, finanziert sich über Werbung. Und ich bin fast durchweg begeistert!

Gleich als erstes der überzeugendste Grund, sich für diesen Online-Rekorder zu entscheiden: Man verpasst keine Sendung mehr! Der Rekorder läuft 24 Stunden am Tag auf insgesamt 57 Kanälen. Dazu zählen übrigens auch einige der digitalen Programme, wie z. B. ARD Einsfestival oder der ZDF Theaterkanal. Mit der Anmeldung bei OnlineTvRecorder fängt der 24/7-Videorekorder an zu laufen. Einen kleinen Haken gibt es allerdings: Man muss ein sogenanntes Premiummitglied sein, um auf die Sendungen zugreifen zu können. Dafür muss man 50 Credits (GWP-Punkte) besitzen. Diese kann man sich recht mühselig zusammenklicken, indem man die Werbebanner der Seite aufruft. Das dauert jedoch lange und ist eher lästig. Ratsam ist es, ein paar Euro zu investieren. Für zwei Euro kann man beispielsweise schon drei Monate die Premiummitgliedschaft erwerben, ohne nur einen Banner anklicken zu müssen.

Natürlich kann man den Videorekorder auch gezielt programmieren. Das erleichtert den späteren Zugriff auf die gewünschte Sendung, weil man nicht erst in der Historie nach der jeweiligen Ausstrahlung suchen muss. Aufgezeichnet wird jede Sendung stets mit einem Zeitpuffer vor und nach dem geplanten Sendestart und Sendeende, sodass man z. B. den gewünschten Spielfilm auf jeden Fall auch bekommen sollte.

Einige Stunden nach der Aufzeichnung steht das Objekt der Begierde zum Download bereit. Man kann die Datei direkt von der OTR-Seite herunterladen, eine Mirror-Seite benutzen oder auch eine Torrent-Datei. Lädt man sie direkt von OTR herunter (die Downloadgeschwindigkeit ist stets hoch!), muss man dafür einige GWP-Punkte opfern. Auf den Mirror-Seiten kostet es nichts. Dort muss man sich allerdings durch einigen Werbemüll klicken und eventuell in eine Warteliste einreihen. Aber auch dann wird einem normalerweise eine Highspeed-Verbindung zur Verfügung gestellt. Nach meiner Erfahrung ist der Download über Torrents am zeitintensivsten.

Ist der Download abgeschlossen, muss man die Datei noch umwandeln, denn sie liegt im verschlüsselten OTRKEY-Format vor. Dazu benötigt man ein kleines Tool (z. B. Multidecoder), das bei der Gelegenheit auch noch überprüft, ob die Datei fehlerfrei geblieben ist. Umgewandelt wird ins DivX-Format. HD-Aufnahmen gibt es von einigen Sendungen übrigens ebenfalls.

Wenn man will, kann man sich die Sendungen freilich noch zurechtschneiden (Anfang und Ende entfernen, ggf. Werbeblöcke herausschneiden). Bei vielen Sendungen stehen auch Schnittlisten zum Download zur Verfügung, sodass man diese nur herunterzuladen braucht und sie im Cut Assistant öffnet – zwei Minuten später hat man in der Regel eine perfekte Filmdatei!

Ich gebe zu, das hört sich zunächst nach viel Arbeit an. Ist es aber nicht. Wenn man sich dort erst einmal reingefuchst hat, geht es blitzschnell. Man kann das leicht neben der normalen Arbeit am Rechner erledigen.

Zum Schluss gibt es dann doch noch eine kleine Kritik: Die Qualität der einzelnen Sender ist unterschiedlich. Während die großen Programme wie ARD, ZDF, Pro7 usw. in absoluter Spitzenqualität aufgezeichnet werden, sind die Bilder manch eines drittes Programms (z. B. MDR) oder auch von 3SAT und Phoenix grundsätzlich etwas verrauscht. Hier einige Screenshots:

Einsfestival (zum Vergrößern: Bild anklicken!)

phoenix: deutliches Rauschen erkennbar

rbb: anamorphes Bild aus Magnificent Obsession

Summa summarum kann ich diesen virtuellen Videorekorder bedenkenlos empfehlen. Die Vorteile überwiegen ganz klar und vom Preis-Leistungsverhältnis ist das Ganze im Vergleich zur Anschaffung eines Festplattenrekorders unschlagbar günstig!

2008 - Ein Jahresrückblick

2008-12-27T19:38:00.031+01:00

Der Jahresrückblick stellt den Filmblogger vor ein organisatorisches Problem: Welche Filme hat er in den vergangenen 365 Tagen gesehen? Welche davon stammen tatsächlich aus diesem Jahr? Gerade bei Leuten, die aufgrund mangelnder Zeit und mangelnden Kino-Angebots darauf angewiesen sind, Neuheiten auf DVD zu sehen, verschwimmen schnell die Jahresgrenzen. Ich habe mir große Mühe gegeben, meine Sichtungen zu rekonstruieren und bin dabei auf insgesamt über 50 Kinofilme gekommen, die 2008 in deutschen Lichtspielhäusern zu sehen waren. Dazu zähle ich auch Festivalfilme. Ich ordne sie in vier Kategorien: Die Großartigen, die Guten, die Mittelmäßigen und die Schwachen.

Die Crème de la crème

Burn After Reading ist seit langem der erste Film, der das gewohnte Coen-Gefühl der 90er Jahre wieder auszulösen vermag. Vielleicht sind es die starken Anleihen an Fargo (man achte nur auf die musikalische Begleitung), die Burn After Reading zur besten Komödie des Jahres werden lässt. John Malkovich als cholerischer Ex-Agent macht auch bei Mehrfachsichtungen einen Heidenspaß. Wann sonst darf er schließlich solch schöne Sätze ausspucken wie: „I have a drinking problem? - You're a Mormon. Compared to you we all have a drinking problem!“

No Country for Old Men mit seinen famosen Landschaftsaufnahmen, geschliffenen Dialogen und hochkarätigem Darsteller-Ensemble ist kaum noch als Coen-Film erkennbar. Die Brüder haben sich hier bewusst zugunsten der Story zurückgenommen, sie insbesondere in der ersten Hälfte fast eins zu eins aus Cor mac McCarthys Vorlage übernommen. Die erfolgten Vereinfachungen ergeben Sinn, lassen den durchaus fordernden Film für den Zuschauer zugänglicher werden. Dieses Jahr ging der Oscar ausnahmsweise mal an die richtigen!

There Will Be Blood hätte die Oscars für beste Regie und Film allerdings ebenfalls verdient: ein vielschichtiges und stilistisch reifes Epos, wie man es von keinem anderen so jungen Regisseur neben Paul Thomas Anderson erwarten würde. Lediglich die Fehlbesetzung des maßlos überforderten Paul Dano als Paul/Eli ist an diesem ansonsten nahezu perfekten Film klar zu beanstanden.

In Bruges steht hier als größte Überraschung des Jahres. Denn diese kleine Gangster-Moritat hatte wohl vergangenes Jahr noch niemand auf dem Radar. Mit einem ordentlichen Schuss schwarzen Humor versehen, weiß die Geschichte von zwei Killern im belgischen Exil auf ganzer Linie zu überzeugen.

Redacted: Brian De Palmas intelligenter, preisgekrönter, stilistisches Neuland betretender Wutschrei gegen den Irakkrieg, dem hierzulande bedauerlicherweise nur eine Videothekenpremiere zuteil wurde. Eine Schande, gerade angesichts des vielen Schrotts, der weiter unten aufgeführt wird.

Iron Man ist gleich zweierlei: Die beste Comicverfilmung und der beste Actionfilm des Jahres.

Before the Devil Knows You're Dead: Sidney Lumet meldet sich mit diesem phänomenalen Thriller zurück. Leider ist diese kluge Familiengeschichte vom Kinopublikum weitgehend unbeachtet geblieben.

Die Guten

Låt den rätte komma in flimmerte auf dem FFF als Centerpiece über deutsche Leinwände. Dort habe ich ihn nicht gesehen, konnte dies dank des jüngst erfolgten deutschen Kinostarts aber nun nachholen und wurde nicht enttäuscht. Der beste Vampirfilm seit Near Dark.

Midnight Meat Train ist neben dem schwedischen Vampirfilm der beste Horrorfilm des Jahres. Kleinere darstellerische und dramaturgische Schwächen werden durch eine dichte Atmosphäre und einer gelungenen Mischung aus realen und CGI-Effekten ausgebügelt.

The Dark Knight habe ich mittlerweile dreimal gesehen. Mit jedem Mal hat er mir weniger gefallen. Über jeden Zweifel erhaben sind einige der Actionsequenzen und die Leistung Heath Ledgers. Dennoch hat TDK mehr als eine Länge und erreicht selten die erzählerische Intelligenz des ersten Teils.

Weitere empfehlenswerte Horrorfilme des Jahres sind Eden Lake, und All the Boys Love Mandy Lane. The Mist macht riesigen Spaß, wenn man ihn als Trash sieht. Gleiches gilt für My Name is Bruce und Dance of the Dead.

In der Sparte anspruchsvollerer Filme wissen Cassandra's Dream, Michael Clayton, Le Scaphandre et le papillon sowie Interview und In the Valley of Elah zu überzeugen.

Die Neuverfilmung von Die Welle darf ebenfalls als gelungen angesehen werden, wenn man einmal vom dämlichen Drehbuchdoktor-Ende absieht. Da hatten die Macher nicht den Arsch in der Hose, auf die Vorlage zu vertrauen.

Mit JCVD hat sich Jean Claude van Damme dieses Jahr unerwartet leise, aber dafür umso persönlicher zurückgemeldet. Hoffen wir, dass er diese zweite Chance zu nutzen versteht.

Und schließlich hat uns Roger Donaldson mit The Bank Job den intensivsten Heistfilm seit Heat geschenkt.

Die Mittelmäßigen

Hellboy 2 schließt sauber an den ersten Teil an, leidet immer noch an der viel zu prolligen Hauptfigur und ersäuft streckenweise an seinen kitschigen CGI-Effekten. Als harmloser Sonntagnachmittagfilm ohne Nebenwirkungen lässt er sich dennoch bedenkenlos konsumieren.

The Darjeeling Limited wirkt wie fast alle Wes Anderson Filme furchtbar angestrengt. Auch die Figuren sind erneut unsympathische Higher-Class-Yuppies, deren Familienschmerz mich nicht im Geringsten berührt. Allerdings bietet TDL neben einer überaus schönen Optik auch hin und wieder Momente schwereloser Heiterkeit.

Tropic Thunder schwankt zwischen wenigen großartigen und einer Handvoll billigen Gag-Nummern. Bildet man den Mittelwert aus diesen zwei Extremen, landet man in der Mittelmäßigkeit, wo auch die überwiegende Mehrheit der Blödeleien anzusiedeln sind.

Sweeney Tod d: Imposante Studio-Bauten setzt wohl niemand so gekonnt düster in Szene wie Tim Burton. Die dünne Handlung wird von gewöhnungsbedürftiger Musik begleitet, die erstklassige Schauspieler mit drittklassigem Gesang untermalen.

Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull enttäuscht nach gelungener erster Hälfte im dritten Akt. Mehrfachsichtungen bekommen dem Film überhaupt nicht.

Hancock: Wie Indy 4 verliert auch dieser Film seine Fahrt im dritten Akt, als er anfängt dem Zuschauer Erklärungen zu liefern. Ansonsten: hirnloser Spaß zum Kopfabschalten.

How To Lose Friends & Alienate People: Ebenso leichte Kost wie Run, Fatboy Run. Pegg verbindet erneut britischen mit amerikanischem Humor, was diese 08/15-Story kräftig nach oben reißt.

Be Kind Rewind: Nach Michel Gondrys letztem Film habe ich nicht mehr viel erwartet. Genau das trat dann auch ein. Highlight sind die „geswedeten“ Filme, der Rest ist eher mau.

The Incredible Hulk kann freilich nicht an die beste Comicverfilmung aller Zeiten in punkto Tiefgang anschließen. Dafür kracht es ganz ansehnlich. Allerdings empfehlen sich auch hier keine Mehrfachsichtungen!

Mirrors: Jack Bauer gefangen in einem japanischen Horrorfilm! Gewohnt souverän kämpft er sich aus der Bredouille. Das macht Spaß! Als Alexandre-Aja-Film ist Mirrors allerdings die wohl heftigste Horrorfilm-Enttäuschung des Jahres.

Außerdem mittelprächtig: Donkey Punch, Hush, I am Legend, X-Files – I want to Believe, Wanted, Run, Fat Boy Run, Diary of the Dead, Transsiberian.

Schwache Filme und Ärgernisse

Speed Racer: bunt, laut und trotzdem öde. Die ser Artikel der Süddeutschen fasst das Problem von Speed Racer klug zusammen, erklärt, warum diese knallbunte Kinderfantasie als Actionfilm nicht funktionieren kann. Kurz gesagt: Es fehlt die Körperlichkeit, die scheinbare Gefahr der Action. Ich hoffe inständig, dass die Zukunft des Actionkinos anders aussieht! Revolutionierten die Wachowski-Brüder vor knapp zehn Jahren den Actionfilm, läuten sie hiermit nun dessen Sterbeglocke.

Quantum of Solace setzt das fulminante Reboot der Bondserie schaurig schlecht fort. Ein armselig gescripteter, hundsmiserabel geschnittener, insgesamt einfach überflüssiger Haufen Müll, über den ich mich gar nicht weiter aufregen will. Abgehakt und fertig. Der nächste Bond kann kommen.

Juno wurde groß bejubelt, bleibt aber der vielleicht verlogenste Film des Jahres, weil er uns eine Hauptfigur präsentiert, aus der die Sprache der 30-jährigen Drehbuchautorin quillt. Die Konsequenz: Juno wirkt furchtbar altklug und ist als Figur kein Stück glaubwürdig. Auch der nette Retro-Flair (Mode, Musik) kann über diese Grundschwäche nicht hinwegtäuschen.

Cloverfield ist nur eines: Sterbenslangweilig! Warum irgendwer mit diesen Arschlöchern mitfiebert, bleibt mir ein Rätsel. Auch die pseudo-dokumentarische Haltung des Films nervt gewaltig.

21 zeigt, wie vergleichsweise genial das kanadische Fernsehen mit The Last Casino die literarische Vorlage „Bringing Down the House“ umgesetzt hat. The Last Casino wirkt wie Ecstasy, 21 wie ein Sedativum.

Weiterer Schrott: John Rambo, Vantage Point, Jumper, Alien vs. Predator 2, You don' mess with the Zohan, Jack Brooks – Monster Slayer, A L'Interieur

2008 war eindeutig das Jahr der Coens! Sie haben diesem Kinojahr ihren Stempel aufgedrückt. Enttäuscht haben wie schon in den vergangenen Jahren die Blockbuster. Das Fantasyfilmfest im Sommer bot insgesamt gute Kost. Zwei Filme, die dieses Jahr noch auf dem Programm stehen, sind der neue Woody Allen Vicky Cristina Barcelona und Breloers Buddenbrooks-Verfilmung.

Da geht einem das Herz auf!

2008-12-15T19:25:00.001+01:00

The real Captain Kirk

2008-11-21T07:15:00.003+01:00

Quelle

Batman in trouble

2008-11-13T15:26:00.004+01:00

Gerade bei The House Next Door entdeckt: Erst wurde Hans Zimmers Score von The Dark Knight nicht zur Oscarnominierung zugelassen (klick), nun wird Christopher Nolan auch noch von der türkischen Stadt Batman verklagt:

Hüseyin Kalkan, mayor of Batman, an ancient oil-producing town in south-eastern Turkey, is planning to sue Christopher Nolan, director of the recent box-office behemoth The Dark Knight, over the use of the name in the film. He claims Nolan and Warner Bros, which owns the film rights to the comic-book character, purloined the name without checking with him first. "There is only one Batman in the world," said Kalkan, a member of the pro-Kurdish Democratic Society party. "The American producers used the name of our city without informing us."

Short Cuts #10

2008-11-08T00:04:00.008+01:00

Redneck zeigt Telly Savalas als eben solch einen dümmlichen Ami mit dem bezeichnenden Namen Memphis, der zusammen mit seinem Partner Mosquito (Franco Nero) einen Juwelier überfällt. Die Chose geht natürlich schief und die zwei finden sich auf der Flucht wieder - mit einem kleinen britischen Diplomatensöhnchen (ein wundervoller Kontrastakzent zu Savalas etwas angestrengt wirkendem Südstaaten-Gedröhn) im Kidnap-Gepäck. Einige Leichen pflastern freilich ihren Weg - Redneck-Savalas ist ein bisschen irre und es macht einen Heidenspaß ihm beim Overacting zuzusehen. - In den Nachtszenen ist Redneck chronisch unterbelichtet. Die UK-DVD verfügt nicht einmal über ein Szenenmenü, die Bildqualität ist grausig - doch diesen Film muss man so sehen. Eine Trashperle!

Liest man die Credits von Menschen am Sonntag, muss man sich die Augen reiben: Robert und Curt Siodmak, Billie Wilder, Edgar G. Ulmer, Fred Zinnemann - alle für diesen kleinen Film vereint, der vier junge Berliner bei einem sonntäglichen Ausflug an den Wannsee zeigt. Eine halbdokumentarische Liebeserklärung an das Berlin der späten 20er Jahre, ein Feelgood-Film mit melancholischen Zwischentönen, der großartige Berlin-Bilder serviert. Dabei wirkt er nie angestrengt oder verkopft. Eben diese Leichtigkeit ist es, die Menschen am Sonntag so liebenswert werden lässt. Diese Menschen beim fröhlichen Geplansche im Wannsee zu sehen, ist komischer als das meiste, was sich heutzutage "Komödie" schimpft. Gedreht mit Laiendarstellern für ein lächerlich geringes Budget, erkannte das lokale Publikum schon damals, wie genial dieser Stummfilm ist: Er wurde ein großer Erfolg in den Ku'damm-Kinos.

Die Unkenrufe im Vorfeld waren diesmal berechtigt: Quantum of Solace ist tatsächlich ein herber Rückschritt nach Casino Royale. Die Action ist nicht überwältigend, sondern zu großen Teilen schlecht aus den Bourne-Filmen übernommen, eine Handlung im Grunde kaum existent, die Bondgirls so langweilig wie selten zuvor und auch der Ton des Films kann nur manchmal an Casino Royale anschließen. In den Momenten, als man gerade glaubt, dass es nun richtig losgeht, wird das Potenzial nicht richtig ausgeschöpft. So zum Beispiel bei der besten Szene des Films: Der Tosca-Aufführung in Bregenz. Die langsame Entwicklung der Bondfigur ist neben dem stets grimmig dreinblickenden Felix Leiter (Jeffrey Wright) noch das gelungenste an Quantum of Solace. - Der nächste wird bestimmt besser!

Aus gegebenem Anlass

2008-11-04T18:14:00.002+01:00

Ein Kurzfilm, der einem das nicht gerade unkomplizierte amerikanische Wahlsystem anschaulich und gebündelt erklärt: Electing a US President in Plain English

Sternstunde des Fernsehens

2008-10-13T09:42:00.004+02:00

Dass die Verleihung des dämlichen deutschen Fernsehpreises einen solch erhabenen Moment bereithalten würde, damit hat vorher wohl niemand gerechnet...

Film noirs in Kürze: Act of Violence

2008-10-07T22:51:00.009+02:00

Die Silhouette eines humpelnden Mannes bewegt sich energisch durch die regnerische Nacht. Im Hintergrund ragen düstere Wolkenkratzer in den Himmel. Der Mann stürzt die Treppe eines Hauses hinauf, betritt ein schäbiges Apartment, nimmt eine automatische Pistole aus dem Schrank, dreht sich zur Kamera um und lädt die Waffe durch. Der Titel des Films "Act of Violence" erscheint in großen weißen Lettern. - Ein fulminanter Auftakt!

Dieser entschlossene Mann heißt Joe Parkson (Robert Ryan) und möchte Rache nehmen an einem Vorzeigemodell des amerikanischen Traumes: Dem Immobilienunternehmer Frank Enley (Van Heflin). Frank lernen wir im Gegensatz zu Joe in einer lichten Kleinstadtsiedlung kennen, die er selbst aus dem Boden gestampft hat. Er hat eine Familie, Freunde und scheint auf den ersten Blick ein netter Kerl zu sein. Doch das Monster lauert beim Film noir oft im Licht. Natürlich ist die Rache, die Joe sucht, nicht unbegründet. Frank hat im Zweiten Weltkrieg seine Kameraden verraten. Joe ist der einzig Überlebende. Die Auseinandersetzung zwischen den beiden Männern ist jedoch zuvorderst eine psychologische, und zwar eine mit sich selbst: Frank muss sich durch die Konfrontation mit Joe erstmals ernsthaft mit seinem Verhalten im Krieg auseinandersetzen - seine bislang verdrängte Schuld frisst ihn auf, er sucht Vergebung. Doch wie ist diese zu erlangen? - Joe verwirft sein bisheriges Leben, um seinen Rachegelüsten nachzugehen: "The Manhunt no woman could stop!" heißt der Slogan auf dem Filmplakat und bezieht sich wohl vor allem auf Joe, der seine Geliebte im wahrsten Sinne des Wortes stehen lässt, um Frank zu stellen und umzubringen.

Regielegende Fred Zinnemann (The Day of the Jackal) begeistert den Zuschauer mit einem herrlich zügigen Erzähltempo, wohl durchdachten Bildkompositionen, einer Noir-typischen Beleuchtung und nicht zuletzt mit einer intelligenten Geschichte, deren Themen und Motive zeitlos sind.

Überrascht hat mich Act of Violence zudem durch zwei Eigenheiten, die beweisen, wie sehr der Film auch bei heutigen Filmemachern geschätzt wird: Als Joe in der Stadt angekommen ist, wo Frank wohnt, geht er vor wie der T-800 in The Terminator - er umkreist die Frank Enleys im örtlichen Telefonbuch und fährt anschließend zu dessen Einfamilienhaus, um ihn zu stellen. Die "Sarah Connor?"-Türszene aus The Terminator ist eine direkte filmische Anspielung. Von Plagiat müsste man wohl reden, wenn man sich den Soundtrack von Act of Violence genauer anhört und mit Christopher Youngs großartigem Hellraiser-Score vergleicht. Young hat die Melodie aus Act of Violence fast eins zu eins übernommen, sie allerdings orchestral aufgeblasen, man darf wohl ruhig sagen: kontextuell perfektioniert. Eine Wertschätzungsbekundung?
80 Punkte.

L' Année dernière à Marienbad

2008-09-24T11:34:00.005+02:00

Man muss Alain Resnais sicherlich hoch anrechnen, mit L' Année dernière à Marienbad (deutscher Titel: Letztes Jahr in Marienbad) gängige Handlungsstrukturen zu sprengen, sich also einer Handlung im eigentlichen Sinn bewusst zu widersetzen, und Schauspiel als Spiegel von Emotionen nicht zuzulassen. Im Jahr 1961 muss dieser Film wie ein Donnerschlag gewirkt haben. Resnais überträgt hier postmoderne literarische Merkmale konsequent ins filmische Medium. Etwas, das heute (zumindest in diesem Maßstab) kaum noch jemand wagt. Und Resnais beweist uns mit diesem zauberhaft schön fotografiertem Traum doch nur eines: Dass ein solcher Film mit seinem wohl durchdachtem Gebaren unglaublich prätentiös und sterbenslangweilig ist. Letztes Jahr in Marienbad ist ein Film für Masochisten, die sich während der Rezeption einreden, sie würden gerade filmische Hochkultur genießen, obwohl sie im Grunde dem Scheitern eines formalen Experiments beiwohnen. Die ewiggleichen Kamerafahrten auf Gesichter, die schwülstigen Voice-Over-Kommentare des X, der über seine Affäre mit einer namenlosen Frau lamentiert - das ist der ganze Film. Die Frau erinnert sich nicht an ihr letztjähriges Betthüpfen mit X, was X enttäuscht. Doch diese Mikrobe an Handlung kehrt den Zuschauer ohnehin nicht. Das grausige Orgelspiel aus dem Soundtrack gepaart mit selbstverliebten Einstellungen von kostbaren barocken Deckenverzierungen, Spiegeln und Säulen sind das eigentlich "Wichtige" in diesem französischen Kunstfilm: Es geht um das Zelebrieren von Oberflächen. Wem das gefällt, dem sei dieser furchtbar selbstgefällige Filmschinken empfohlen.

OT: Ergibt das Bloggen überhaupt einen Sinn?

2008-09-22T08:57:00.007+02:00

Zugegeben: Die Überschrift ist polemisch geraten. Aber angesichts des heute in der Süddeutschen erschienenden Artikels muss man schon ins Grübeln kommen. Insbesonders lange Texte scheinen dem typischen Internetleser nicht entgegen zu kommen. Hier stellt sich dann automatisch die Frage nach dem Publikum einer Seite: Ein hoher Zählerwert sagt offenbar überhaupt nichts darüber aus, ob die Texte auch tatsächlich gelesen worden sind.

Ich hoffe, dieser Post war nicht zu lang...

Short Cuts #9

2008-09-21T00:38:00.003+02:00

Lords of Dogtown ist ein grandioses Skater-Spektakel, das überraschenderweise auch jenseits erstklassiger Skate-Einlagen etwas zu bieten hat. Die kalifornische Surfkultur, die in den sozial schwächeren Stadtvierteln L.A.s der späten 70er Jahre aufblühte und den Skatestil der nächsten Generationen prägte, wird hier eindringlich reanimiert. Großartige Schauspielleistungen machen den Film zusätzlich zu einem Vergnügen: Allen voran Heath Ledger mit falschem Gebiss und filzigen Haaren - so nah am Joker war er zumindest optisch in keiner seiner anderen Rollen.

You don't mess with the Zohan ist ein überlanges, verlogenes Stück Zelluloid. Unter dem Deckmäntelchen der Political Incorrectness wird am Ende Friede, Freude, Eierkuchen zelebriert. So doof kann Kino sein.

Wanted ist ein kurzweiliger, aber letztlich völlig bedeutungsloser Actionreißer, der nichts weiteres als eine halbärschige Matrix-Variation ist. Überflüssig aber wenigstens nicht so erschreckend eintönig wie Shoot 'em Up.

Der Skorpion eröffnet die neue Reihe deutscher Kriminalfilme der Süddeutschen Zeitung. Kaum zu glauben, dass dieser kleine, dreckige Film nur fürs Fernsehen gedreht worden ist. Zehn Jahre vor Rodriguez' und Tarantinos Grindhouse schmierte Dominik Graf bereits absichtlich das Filmmaterial mit vermeintlichen Aufnahmefehlern voll. Pointiert geschrieben, großartig gespielt und sehenswert nachbearbeitet ist Der Skorpion eigentlich ein perfekter deutscher Krimi, würden nicht hin und wieder solch schwülstige Sätze wie "Ganz hinten in deinen Augen lacht es nie!" fallen. Dennoch: Wenn Fernsehen stets von derart hoher Qualität wäre, hätten die GEZ-Gebühren schon eher eine Berechtigung.

TV-Tipp: The Black Dahlia

2008-08-28T08:03:00.007+02:00

Für all jene, die Brian De Palmas fantastischen Neo-Noir noch nicht gesehen haben, heißt es heute um 22.45 Uhr: ARD einschalten. The Black Dahlia lohnt sich aber auch für eine Zweit- oder Drittsichtung. Einziger Wermuthstropfen: Es wird natürlich die deutsche Fassung ausgestrahlt. Gerade das lässt den Film für mich heute interessant werden, da ich die deutsche Synchro noch nicht kenne. Man darf gespannt sein, wie Ellroys poetischer 40er-Jahre-Slang ins Deutsche transportiert worden ist. Die Übersetzung der Romanvorlage ist jedenfalls eine mittlere Katastrophe.

EDIT:

Die Synchronisation war zufriedenstellend, wenn auch freilich viele Nuancen im Deutschen verlorengegangen sind. Die fast lyrische Qualität des Originals wurde meist auf den reinen inhaltlichen Sinn der Sätze heruntergebrochen. Die deutschen Sprecher hielten sich zurück, den leicht ironischen Ansatz eines noirhaft-stilisierten Sprechgestus nachzuahmen. Wahrscheinlich die richtige Entscheidung - schließlich haben selbst im Original viele Zuschauer nicht begriffen, warum die Schauspieler allesamt leicht over-the-top agieren.

Seltsamerweise rief die Tanzsszene diesmal Erinnerungen an ein bekanntes Bild von Gustav Klimt wach: "Jungfrau". Bei genauerer Betrachtung stellte sich dann aber heraus, dass es kein direktes visuelles Zitat ist. Eine gewisse Ähnlichkeit im Arrangement lässt sich allerdings nicht leugnen...

Kurzfilm: Gridlock

2008-08-24T00:20:00.008+02:00

Hier ein Kurzfilm, der 2002 auf dem Fantasy Filmfest lief und den ich in bester Erinnerung hatte. Leider wirkt er bei einer Zweitsichtung nicht mehr so stark. Dennoch ist er gut genug, um hier gepostet zu werden! Gridlock:

Und als Nachtisch gibt's noch Desserts mit Ewan McGregor:

Bogdanovich interviewt Kirk Douglas

2008-08-23T10:48:00.003+02:00

Peter Bogdanovich hat erneut exklusiv für das Magazin der Süddeutschen Zeitung ein langes Interview mit einer Hollywoodlegende geführt. Nach Lauren Bacall, Jack Nicholson, Arthur Miller, Clint Eastwood und Jerry Lewis saß Bogdanovich nun dem mittlerweile 91-jährigen Kirk Douglas an drei Tagen im Januar diesen Jahres gegenüber.

Das komplette Interview ist sowohl im englischen Original als auch in der deutschen Übersetzung online nachlesbar. Wer sich für die älteren Interviews interessiert, findet diese hier.

Film noirs in Kürze: Impact

2008-08-21T22:59:00.003+02:00

Der knallharte Geschäftsmann Walter Williams (Brian Donlevy) wird das Opfer seiner jungen Frau (Helen Walker): Ihr Liebhaber soll Williams bei einem Reifenwechsel umbringen. Der Plan misslingt. Williams überlebt. Der Liebhaber stirbt. Williams verliert vorübergehend sein Gedächtnis, lässt sich im idyllischen Larkspur nieder, verliebt sich dort in die Inhaberin einer Autowerkstatt (Ella Raines). Als er erfährt, dass seine Frau wegen Mordes angeklagt ist, verhält er sich zunächst ruhig - doch seine neue Flamme überzeugt ihn, zurück nach San Francisco zu gehen und der Polizei seine Sicht der Dinge zu schildern. Plötzlich findet er sich jedoch auf der Anklagebank wieder. - Impact wird angenehm zügig erzählt. Man bemerkt die für einen Film noir recht stattliche Länge von 111 Minuten fast gar nicht. Dabei weiß Regisseur Arthur Lubin uns nicht einmal visuell zu packen. Weit mehr als die Hälfte des Films spielt bei Tageslicht. Es gibt wenig Noir-typische Ausleuchtungen. Aber der recht konventionelle Plot fesselt dank des flüssigen Schnitts, einem Gespür für Timing. Nicht einmal die Schauspieler überzeugen. Donlevy wirkt die meiste Zeit wie erstarrt, Helen Walker bleibt völlig farblos. Der heimliche Sympathieträger und Star des Films ist Charles Coburn als dickbäuchiger Kommissar. Dennoch hat es Impact geschafft, mich zweimal gewaltig zu überraschen. So kommt das bekannte Vertigo-Gebäude (Brocklebank) ebenso vor wie eine Frisur, die George Lucas 28 Jahre später Prinzessin Lea tragen ließ. Das lässt wohl auch den größten Noir-Muffel schmunzeln. Der dritte Akt des Films ist der mit Abstand schwächste. Die gesamte Gerichtsverhandlung kommt nur zu Stande, weil Williams bei seiner Polizeiaussage ungenaue bzw. falsche Angaben macht - die peinlichste Form, um noch einen Drehbuchtwist einzubauen. Fazit: Trotz deutlicher Schwächen sehenswert.
64 Punkte.

Fantasy Filmfest 2008

2008-08-19T22:43:00.006+02:00

Meine Kurzrezensionen des Fantasy Filmfests 2008 im Überblick:

[Diary of the Dead (Einstimmung)]

Get Shorty (Kurzfilmprogramm)
Eden Lake (8.5/10)
JCVD (7/10)
Dance of the Dead (7/10)
My Name is Bruce (7/10)
Hush (6.5/10)
Donkey Punch (5/10)
Jack Brooks - Monster Slayer (4/10)

FFF-Ticker: Get Shorty

2008-08-18T16:40:00.004+02:00

Das Kurzfilmprogramm ist für mich gleichzeitig der Abschluss des diesjährigen Fantasy Filmfests. Da ich Berlin morgen verlassen werde und ich am heutigen Montag keine Zeit fürs Kino habe, muss ich zwangsläufig auf Mirrors und das Dracula Double Feature (ein Film in Technicolor: yumyum!) verzichten. Umso erfreulicher also, dass Get Shorty 2008 das beste Programm seit bestimmt sechs Jahren bereit hält!

Im Grunde gab es nur eine große und eine kleine Enttäuschung. Die kleine Enttäuschung stammt ausgerechnet von Bill Plympton: Sein Shuteye Hotel im gewohnt unruhigen Zeichenstil kann in punkto Witz und Überraschung an seine bisherigen Beiträge nicht anschließen. 5/10

Die große Enttäuschung kommt aus Spanien und heißt Las horas muertas (aka Killing time): Ein Dirty-Harry-mäßiger Scharfschütze zerlegt Wohnmobil plus Insassen. Seltsamerweise werden sämtliche Figuren als unsympathisch dargestellt, so dass einen ihr Ableben nicht kratzt. Der Film soll schmierig wirken. Verwaschene Farben, eine vollkommen überzogene Tonspur und eine penetrante Western-Pfeif-Melodie. Das beste an Las horas muertas ist sein Vorspann. 3/10

Für mich der gelungenste, witzigste, überraschendste Beitrag dieses Jahres wurde von Lars von Trier eingereicht und ist gerade einmal drei Minuten lang: Occupations. Eine Abrechnung mit dem Premierenpublikum großer Filmfestspiele (genauer gesagt: Cannes). Fantastisch! So müssen Kurzfilme sein: Prägnant und mit einer schlagkräftigen Pointe: 10/10

Hätte jemand behauptet, The Saddest Boy in th e World wäre von Tim Burton, ich hätte es geglaubt. Eine liebevoll ausgestattete und vollkommen überzeichnete Charakterstudie eines neunjährigen Jungen, eines Außenseiters, der anlässlich seiner Geburtstagsfeier mit dem Gedanken spielt, sich das Leben zu nehmen. 7/10

Der kanadische Beitrag: The Saddest Boy in the World.

Absoluter Publikumsliebling in Berlin war kurioserweise der einzig deutsche Beitrag: Arbeit für alle. Deutsche Beiträge sind meist zäh, in ihrem Humor sehr bemüht und deshalb waren sie in den vergangenen Jahren alles andere als Highlights. Dieses Jahr ist es anders. Arbeit für alle ist eine bissige Arbeitsmarktkritik, die bestimmt niemals im Fernsehen laufen wird. 8/10

Because there are Things you never Forget: Ein spanischer Kurzfilm, der auf Italienisch gedreht worden ist und rückwärts erzählt wird. Man sollte kleinen Jungen niemals das Fußballspielen vermiesen, so lehrt uns der Film. 8/10

Bitten ist der Prolog zu David Morleys im Herbst erscheinendem Horrorfilm Mutants. Ein geradliniger, vorhersehbarer aber gut fotografierter Zombiekampf à la 28 Days Later. 5.5/10

Eater ist ein US-amerikanischer Kurzfilmhorrorbeitrag, dessen Wendung mich trotz deutlicher Andeutungen tatsächlich überraschen konnte. 6/10

Der obligatorische Animationsbeitrag kommt dieses Jahr aus Frankreich: Even Pigeons go to Paradise. Eine spaßige Kirchenkritik, die ohne Schnörkel erzählt, wie sich der Sensenmann auch mal irren kann. 7/10

Zu guter Letzt Tile M for Murder: Ein wundervoller Beitrag aus Schweden und neben Bitten der einzige Film im Breitwandformat. Trotz der Vorhersehbarkeit der Pointe glänzt der Film, in dem es um ein verwunschenes Scrabble-Spiel geht, durch seine pfiffige Idee, großartige Darsteller und eine atemberaubende Beleuchtung. 8.5/10

FFF-Ticker: Fresh Blood - Donkey Punch

2008-08-18T00:22:00.005+02:00

Drei britische Partyschicksen lassen sich mit vier jungen Skippern auf eine Bootsfahrt, Drogen und wilden Sex ein. Doch einer der Kerle schlägt seiner Sexgespielin beim Orgasmus ins Genick (der durch sofortige Muskelkontraktion angeblich luststeigernde Donkey Punch) und bringt sie so versehentlich um. Aus dem Partytörn wird eine Höllenfahrt. Soll man zugeben, was geschehen ist, oder soll man die Leiche auf See verschwinden lassen und eine Geschichte erfinden? - Donkey Punch verläuft in absolut vorhersehbaren Bahnen. Lediglich zwei Dinge sind erwähnenswert: Zum einen die durchaus ansehnliche Sexszene (vor full frontal nudity wurde bemerkenswerterweise nicht zurückgeschreckt!), zum anderen die leise mitschwingende Kritik an unserer Spaßgesellschaft. Im Grunde hätte der Film viel besser in die 90er Jahre und zur Nach-mir-die-Sintflut-Ravebewegung gepasst. Ein mitreißender Thriller ist Regisseur Oliver Blackburn dann auch nicht gelungen. Donkey Punch lief in Berlin gegen das Centerpiece Let the Right One In und war dementsprechend schlecht besucht. Wer Donkey Punch deshalb nicht gesehen haben sollte, muss darüber keine schlaflosen Nächte verbringen.

5/10

FFF-Ticker: Jack Brooks - Monster Slayer

2008-08-17T13:23:00.004+02:00

Jack Brooks: Monster Slayer wäre wahrscheinlich gerne ein Film wie Dance of the Dead. Bedauerlicherweise ist er es aber nicht. Zäh wie Kaugummi entfaltet sich das Geschehen um den durch ein Kindheitserlebnis traumatisierten Klempner Jack. Robert Englund als dessen Abendschullehrer bewahrt den Zuschauer durch eine gehörige Portion Overacting und die eine oder andere Slapstickeinlage vor dem Wegschlummern, bevor im 3. Akt endlich die Special-Effects-Leute ihre Latex-Geschöpfe vor die Kamera setzen dürfen. Hier macht der Trash rund um die talentfreien Schauspieler für einige Minuten richtig Spaß. Doch das ist insgesamt zu wenig, um aus Jack Brooks: Monster Slayer noch einen akzeptablen Monsterfilm werden zu lassen.

4/10

FFF-Ticker: My Name is Bruce

2008-08-17T00:37:00.002+02:00

Bruce Campbell hat ein Herz für Proleten. Er feiert in My Name is Bruce seine Filmkarriere als B-Movie-Horrorstar, gibt sich als alkoholkranken Trailertrash, als sympathisches Wrack. Das alles natürlich vollkommen überspitzt, politisch zutiefst unkorrekt und -wie könnte es anders sein?- ironisch. Der Humor bedient sowohl die Fans von Campbells Filmen als auch den anspruchslosen Freund albernen Slapsticks. Gleichzeitig greift dieser Beitrag der Midnight Madness sogar ein Thema auf, das historisch nicht uninteressant ist: Die gnadenlose Ausbeutung chinesischer Migranten als Goldminenarbeiter im 19. Jahrhundert. Der Dämon Guan-Di gegen den Bruce unfreiwillig antreten muss, verteidigt Tofu und die Friedhofsruhe hundert toter chinesischer Sklaven. Ein Irrwitz. Hoffentlich muss Campbell demnächst keine Filme in Bulgarien drehen, wie in My Name is Bruce angedeutet – davor grauste es ja schon Jean-Claude Van Damme in JCVD (aus Erfahrung).

7/10

FFF-Ticker: Dance of the Dead

2008-08-17T00:09:00.003+02:00

Dance of the Dead wurde seltsamerweise digital (vermutlich von Blu-ray) projiziert. Das hatte leider kräftige Auswirkungen auf die Bildgröße (Balken oben, unten, rechts und links) und auf die Bildqualität (Farben wirkten verwaschen, erreichten nicht die Schärfe einer gewöhnlichen 35mm-Projektion, einmal kam es sogar kurz zu „Bauklötzen“ im Bild). Von diesen Mängeln einmal abgesehen, erwies sich Dance of the Dead als exzellenter Partyfilm, dessen Beliebtheit bei den Kartenkäufern sogar dafür sorgte, dass Ole Bornedal zur Vorstellung seines neuen Films Just Another Love Story ins kleinere Kino 6 verbannt wurde.

Diese streckenweise rasant geschnittene Zombieklamotte versprüht ein liebenswürdiges 80er-Jahre-Flair, greift auf CGI-freie Splattereffekte zurück und führt Rockmusik als effektives Narkosemittel für Untote ins Zombiefilmuniversum ein. Besonders beeindruckend ist das katapultartige Hervorschießen der bleichgesichtigen Verwesenden aus ihren Gräbern: Von Null auf Vollsprint in unter einer Sekunde. Nur die olympischen Ringe hätten noch eingeblendet werden müssen.

7/10

FFF-Ticker: Fresh Blood - Hush

2008-08-16T17:30:00.005+02:00

Das Berliner FFF-Publikum kommt dieses Jahr erstmals in den Genuss tatsächlicher Weltpremieren, wenn man einmal davon absieht, dass einige Filme bereits einem erlesenen Kreis von Filmmarktfritzen gezeigt worden ist. So auch Hush, ein souverän inszenierter Thriller, der irgendwo zwischen Haute tension, Duel und Spoorloos anzusiedeln ist: Ein britisches Pärchen zofft sich während der Fahrt auf der M1, als die Rücktür des Lasters vor ihnen aufgeht und für einen kurzen Augenblick eine schreiende Frau in einem Käfig enthüllt. Was nun? - Der Auftakt zu einem gelungenen Katz- und Mausspiel, das sich kräftig aus den drei oben genannten Filmen bedient, deren Klasse zwar nie erreicht, als eigenständige Hybride jedoch gut funktioniert.

6.5/10

FFF-Ticker: Director's Spotlight - JCVD

2008-08-14T14:29:00.007+02:00

Für JCVD wurde extra eine neue Rubrik gegründet: Das Director's Spotlight. So sehr liegt Rosebud dieser Film am Herzen, der sich mit dem recht verkorksten Leben eines der populärsten Hau- und Prügel-Idole der späten 80er und frühen 90er auseinandersetzt: Jean-Claude Van Damme. Es ist bestimmt fünfzehn Jahre her, seitdem ich mir einen seiner Filme aus der Videothek geholt habe. Nur den unsäglichen Street Fighter habe mir von seinen Werken seinerzeit im Kino angesehen, und das auch nur, weil ich das Sega-Spiel sehr mochte.

Still ist es geworden um den Mann mit den vermutlich gefährlichsten Beintechniken im Universum der Actionhelden. Und nun also JCVD: Eine selbstironische, streckenweise bitter melancholische Abrechnung mit Hollywood. Jean-Claude spielt sich selbst: Einen gealterten Karateaffen, der keine anständigen Rollenangebote mehr bekommt („Steven got the part!“), der durch einen kostspieligen Scheidungsprozess geht und der sich von seiner Tochter anhören muss, dass sie seinetwegen auf dem Schulhof gehänselt wird. Nun wird Jean-Claude zufällig in einen Postraub verwickelt. Wie reagiert der Kampfartist und Hollywoodheld nun in einer solchen realen Ausnahmesituation?

Regisseur Mabrouk El Mechri, der seinen geplanten Besuch beim FFF krankheitsbedingt kurzfristig absagen musste, entzieht dem Film viel Farbe, spielt etwas umständlich mit Perspektiven (so dürfen wir einige Szenen nacheinander aus dem Blickwinkel unterschiedlicher Figuren verfolgen) und liebt lange Einstellungen. JCVD beginnt mit einer ausgeklügelten Steadicamfahrt durch ein Militärlager, das Jean-Claude von Filmbösewichtern reinigt – ein großartiger Auftakt, der natürlich umgehend ironisch gebrochen wird. In einer anderen Szene wendet sich der bekannteste belgische Schauspieler direkt ans Publikum, erzählt von seinem Leben in Hotelzimmern, den vielen Frauen und den Drogen. Ja, da tut einem die Dampframme Van Damme tatsächlich etwas Leid. Man merkt, es steckt viel Wahrheit in diesem mehrminütigen, angeblich improvisierten Monolog – ohnehin eine der Stärken des Films, man mag es kaum glauben: Die Schauspielleistung des Hauptdarstellers. Van Damme hat aber auch noch nie einen solch gebrochenen Charakter spielen dürfen wie sich selbst. Vielleicht handelt es sich hier sogar um eine unerwartete Entdeckung. Doch aller Voraussicht nach wird es bei einer Eintagsfliege bleiben. Schade eigentlich.

7/10.

FFF-Ticker: Eröffnung - Eden Lake

2008-08-13T00:08:00.002+02:00

Die erste Vorstellung des Eröffnungsfilms Eden Lake war ausverkauft, so dass einige Leute, wie üblich in einem solchen Fall, auf den Stufen des CinemaxX 7 Platz nehmen mussten. Prominenter Besuch war ebenso zugegen. Neben dem Regisseur James Watkins, der nach dem Screening für ein kurzes Q&A zur Verfügung stand, wurden die Filmfreunde Oliver Kalkofe und Oliver Welke als Privatbesucher im Publikum gesichtet.

Der Abend begann mit einem witzigen Puppentrailer von Magna Mana, wie man ihn schon aus dem letzten Jahr kennt. Dieses Jahr wird es aufgrund der Popularität des letztjährigen Trailers mehrere neue geben. Beim Betreten des Kinosaals bekam man noch eine Senator-Trailer-DVD in die Hand gedrückt, die sich wunderbar als Bierdeckel eignet, es sei denn, man schaut sich gerne synchronisierte Trailer von überwiegend nicht mehr ganz aktuellen Filmen an.

Es werde ein ernster Jahrgang, bei dem die Happy Endings gnadenlos weggeschnitten worden seien – so kündigte Rosebud die Filme der kommenden Woche an. Und Eden Lake macht diesem Vorsatz alle Ehre. Das FFF 2008 beginnt endlich mal wieder mit einem Kracher! Schluss mit lustig: Keine blöden Zombie-Schafe mehr, kein Splattergeblödel und auch kein selbstironischer Neo Noir. Eden Lake ist die bitterböse Abrechnung mit einer verrohenden Jugend und unfähigen Eltern. Im Gewand eines klassischen Stalkerfilms kämpft hier ein Liebespaar im Wald ums Überleben. Die Gegner: Gelangweilte britische Teenies. Ähnlich wie einige deutsche Filme (Wut / Knallhart) erklärt auch Eden Lake die Ursachen für die Gewaltbereitschaft der Kinder mit dem sozialen Milieu, aus dem sie stammen. Doch ist Ursachenforschung nicht das zentrale Anliegen des Films. Vielmehr soll das Publikum mit dem Mittelschichtspärchen mitleiden, deren Martyrium mitfühlen. Und das funktioniert auch ganz hervorragend, weil Regisseur James Watkins sich einerseits zwar an die Regeln des Stalkergenres hält, andererseits jedoch den Täterfiguren sehr viel mehr Tiefe verleiht, als es gemeinhin üblich ist. Gerade weil es sich hier nicht um Jason oder einen seiner Artgenossen handelt, ist man sich als Zuschauer nie sicher, ob die Unterschichts-Pennäler nicht irgendwann erkennen, was sie da gerade tun. Einigen von ihnen stehen Zweifel, Unsicherheit und Angst permanent ins Gesicht geschrieben, eine Revolte innerhalb der Gruppe scheint des Öfteren möglich. Aus dieser psychologischen Spannung zwischen den Figuren zieht Eden Lake ebenso seine Suspense wie aus dem klassischen Täter-Opfer-Spiel.

Ein großartiger Auftakt: 8.5/10.

FFF-Ticker: Einstimmung - Diary of the Dead

2008-08-12T01:38:00.008+02:00

Zur Einstimmung auf das heute beginnende 22. Fantasy Filmfest (das 16., an dem ich teilnehme!) habe ich mir erneut George A. Romeros aktuellen Zombie-Beißer Diary of the Dead auf DVD zu Gemüte geführt. Dieses Mal nicht auf einem Bildschirm, sondern schön auf knapp zwei Meter Bilddiagonale gebeamt.

Auf dem Cover der DVD wird ein gewisser Nick Digilio von WGN Radio in Chicago mit den Worten zitiert: „****! A MASTERPIECE.“ - Diese Begeisterung kann ich gerade nach der zweiten Sichtung nicht teilen.

Sicherlich ist Diary of the Dead ein virtuos in Szene gesetzter Low-Budget-Streifen. Man merkt in fast jeder Szene, wie viel kreative Energie hinter der Kamera steckt. Doch liegt das Problem des Films im Genre begraben. Ein Zombiefilm eignet sich nicht dazu, eine selbstreflexive Dokumentationshaltung einzunehmen. Spätestens seit dem Blair Witch Project ist diese Idee ausgereizt. Und Romeros Versuche, dem ganzen Unterfangen eine politische Facette zu verleihen, wirkt (freundlich formuliert) äußerst bemüht.

Diary of the Dead stolpert über die eigenen Genregrenzen: Immer wieder müssen Episoden eingeschoben werden, in denen Zombies abgestochen, zerteilt, massakriert werden, oder (ganz überraschend) aus einer dunklen Ecke springen.

Dabei will Romero eigentlich eine ganz andere Geschichte erzählen: Eine Geschichte über die heutigen Medien, über deren Kraft und Macht. Über die Möglichkeit eines Jeden, eine Kamera in die Hand zu nehmen, um einen Film zu drehen. Diesbezüglich sind die Bonusmaterialien der DVD verräterisch: Die Gewinner des zum Filmmarketing gehörenden myspace-Zombiefilm-Wettbewerbs werden hier präsentiert. Ironischerweise ist die DVD somit dem Film intertextuell, also selbstreferentiell, überlegen. Der Film wird im Angesicht seiner DVD-Auswertung zur Farce, auch wenn die stimmlichen Gastauftritte von Genregrößen wie Guillermo del Toro oder Stephen King auf dem Silbertablett präsentiert werden.

Dabei ist Diary of the Dead ein durchaus sehenswerter, aber leider nur scheinbar smarter Zombiefilm. Sein Ansatz wirkt gerade auch im Hinblick des zeitgleich erschienenen fragmentarischen Pseudo-Doku-Films Redacted kraftlos und veraltet, ja sogar völlig überholt.

Mit geringem Budget gedreht, können darüber hinaus die Splattereffekte auf einer größeren Homecinemaleinwand nicht immer überzeugen. Da wünscht man sich vergeblich Tom Savini herbei. Doch „natürliche“ Splattereffekte hätten die finanziellen Mittel des Films vermutlich ebenso gesprengt wie eine überzeugende Hauptdarstellerin.

Diary of the Dead reiht sich deshalb hinter Dawn-, Night- und Land of the Dead ein und teilt sich den unrühmlichen letzten Platz in Romeros Zombie-Filmographie mit Day of the Dead.

Short Cuts #8

2008-07-28T15:25:00.008+02:00

Im Zuge meiner derzeitigen Stephen-King-Phase habe ich mir zum zweiten Mal Cujo angesehen. Der erste Kontakt mit dem Film liegt bestimmt 15 Jahre zurück. Ich hatte schlechte Erinnerungen, die sich nun bestätigten. Cujo ist ein miserabel inszenierter Thriller, mit hölzernen Figurenkonstellationen, schwachen Schauspielern und dem vermutlich nervigsten Kind der Filmgeschichte. Der Regisseur Lewis Teague (bestes Werk im miesen Œuvre: Wedlock) erweist sich als einfallslos und völlig überfordert, als es darauf ankommt, den Nervenkrieg zwischen der in einem Auto gefangenen Mutter (Dee Wallace) mit Kind und der Supertöle Cujo spürbar werden zu lassen. Das einzig Sehenswerte an Cujo sind die großartigen Make-up-Effekte am Bernhardiner. Ohnehin ist Cujo trotz seines tollwutartigen Verhaltens für mich der wahre Sympathieträger des Films – das sagt wohl alles!

Apt Pupil wurde von Bryan Singer für die große Leinwand adaptiert. Und wenn ich „große Leinwand“ schreibe, meine ich das in diesem Fall durchaus wörtlich. Denn die Hauptqualität dieser Stephen-King-Verfilmung steckt in den Bildern, die großartig kadriert und meist mit warmen Farben ausgeleuchtet sind. Auf diese Weise wird ein fast gruseliger Kontrast zum düsteren Inhalt aufgebaut. Allerdings scheitert diese Literaturverfilmung an ihrer Harmlosigkeit. Singer hat beim heiklen Thema "Konzentrationslager" nichts riskieren wollen, Kings Vorlage deshalb beachtlich entschärft. Und so plätschert Apt Pupil so vor sich hin, Brad Renfro und sogar Ian McKellen schaffen es nicht, uns in den Bann der Geschichte zu ziehen. Renfro guckt immer nur bedeutungsschwanger in die Kamera, McKellen quält sich mit einem deutschen Akzent ab, und so ist es mehr als gerechtfertigt, dass aus dem Zyklus der Different Seasons diese Verfilmung allgemein als die schwächste gilt.

The Mist ist Edeltrash für Männer. Eine hanebüchene Story, seltendämliche Figuren und die offenbar völlig konzeptlose Regie von Frank Darabont ergeben zusammen zwei Stunden launiger Trashunterhaltung. Zusammengeklaut aus etlichen Horror-B-Movies der 80er (kein Wunder, denn die Vorlage von King stammt aus dem Jahr 1980!) kann man sich bei The Mist vorzüglich über dessen unfreiwillige Komik amüsieren. Latex-Tentakel mit Zähnchen und fliegende CGI-Insekten, die aus dem Nebel auftauchen, sind aber bei weitem nicht so sehenswert wie Marcia Gay Harden: Die Figur ist eine Art Abziehbild von Carries Mutter (Carrie). Doch während Piper Laurie den religiösen Wahn sexuell auflud, beschränkt sich Harden auf die (zugegeben: leicht übertriebene, dennoch völlig überzeugende) Darstellung des Bösartigen. Schauspielerisch hat The Mist sonst nichts zu bieten, was man wohl eher der dümmlichen Handlungskonstruktion als den Darstellern ankreiden kann. Fazit: Herrlicher Trash mit völlig überzogenem Budget.

Gedrucktes: Different Seasons

2008-07-27T15:24:00.010+02:00

Eine „Novella“ (oder: „Novelette“) habe gemeinhin eine Länge von 25.000 bis 35.000 Wörter, sei damit länger als eine Kurzgeschichte aber kürzer als ein gewöhnlicher Roman. Selbst den hartgesottensten Mainstream-Schriftsteller lasse die „Novella“ von Kopf bis Fuß erzittern, weil sie so gut wie gar nicht zu vermarkten sei. - Dies erklärt uns Stephen King in seinem Nachwort zu „Different Seasons“, einer Sammlung von insgesamt vier „Novellas“. Im Deutschen bezeichnen wir Geschichten wie jene in „Different Seasons“ als Erzählungen – mit dem Novellenbegriff sollte man vorsichtig umgehen, weil in der Germanistik (zumindest in den Feinheiten) bis heute ein Dissens über die Reichweite dieser literarischen Gattung herrscht.

Als „Different Seasons“ 1982 in die Regale der US-amerikanischen Buchhändler kam, war Stephen King schon so erfolgreich, dass er nun endlich auch seine „Novellas“ veröffentlichen konnte, die sich in den vorangegangen Jahren in der Schreibtischschublade angesammelt hatten. Sein Name war mittlerweile ein Markenzeichen für gute Horrorunterhaltung. Zwei Jahre zuvor hatte er noch die unlängst verfilmte Erzählung „The Mist“ in einer Horroranthologie zusammen mit anderen Schriftstellern publizieren müssen. Jetzt kümmerte es seinen Verleger wenig, dass es sich bei „Different Seasons“ nicht um einen Horrorroman, sondern um „Novellas“ handelte, die zudem noch jenseits des Genres angesiedelt waren. Hauptsache: Neues Lesefutter vom Meister für seine Jünger.

Obwohl „Different Seasons“ sicherlich nicht zu den meist gelesenen Werken im Œuvre Kings zählt, werden zwei Verfilmungen der Anthologie von Kritik und Publikum allgemein als herausragend angesehen: Die Adaption von „Rita Hayworth and Shawshank Redemption“ (Filmtitel: The Shawshank Redemption) befindet sich derzeit auf Platz zwei der Internet Movie Data Base Bestenliste, die Verfilmung von „The Body“ (Filmtitel: Stand by Me) auf Platz 161. Lediglich „Apt Pupil“ kann nicht so hoch punkten. Die umfangreichste und, neben dem unverfilmten Beitrag „The Breathing Method“ düsterste Geschichte, hat bei den Zuschauern ambivalente Reaktionen ausgelöst.

Stephen King ist meistens dann richtig gut, wenn er sich kurz fasst, wenn er auf den Punkt kommt, wenn er nicht ausschweifend erzählt. Damit meine ich nicht, dass sich die Qualität seiner Werke an der Seitenanzahl messen lässt. Schließlich hat King mehrere fette Schinken geschrieben, die schon heute zu den Klassikern der modernen Horrorliteratur zählen. Nein, Kings Tendenz, Nebensächlichkeiten hin und wieder überproportional aufzublasen, reißt mitunter auch den geneigtesten Leser aus der Geschichte. Legendär sind hierbei seine völlig aus dem Ruder gelaufenen Enden in „It“ und „The Stand“. King selbst weiß um diese Schwäche und hat sie mehrfach selbstkritisch eingestanden. - In „Different Seasons“ gibt es dieses Problem nicht. Die Form der „Novella“ lässt eine solch ausladende Erzählhaltung nicht zu. Das ist ein Grund dafür, warum dieser fünfhundert Seiten schmale Erzählband zum Besten zählt, was King bislang geschrieben hat.

Das Sujet dieser vier „Tales“ unterscheidet sich auf den ersten Blick komplett voneinander. „Rita Hayworth and Shawshank Redemption“ ist eine Gefängnisgeschichte, in „Apt Pupil“ wird geschildert, wie ein kalifornischer Knabe seiner Faszination an Konzentrationslagern erliegt. „The Body“ ist eine klassische Initiationsgeschichte, die vier Jungen auf ihrem Pilgerweg zu einer Leiche begleitet. Und im Zentrum der Rahmennovelle „The Breathing Method“ steht die Schwangerschaft einer jungen Frau, die von ihrem Liebhaber verlassen wurde.

Schaut man jedoch genauer hin, so lassen sich Gemeinsamkeiten zwischen den Geschichten erkennen. Die vier Erzählungen verbindet neben der offenkundlichen zeitlichen Nähe zueinander (alle spielen hauptsächlich zwischen 1950 und 1980) ein deterministischer Aspekt, der manchmal mit einem von Kings liebsten Themen, der Theodizee, verknüpft wird. Ein Beispiel: In „Apt Pupil“ erkennt ein ehemaliger KZ-Insasse nach langem Nachdenken seinen einstigen Peiniger etwa dreißig Jahre nach Ende des 2. Weltkriegs im Krankenhaus wieder. Sie teilen sich ein Zimmer. Der leicht verbitterte, die Existenz Gottes aufgrund seines harten Lebensweges kategorisch leugnende, alte Mann glaubt nun in seinem Krankenhausaufenthalt den wahren Grund zu erkennen: Gott habe ihn hierher geschickt, um die wahre Identität seines Zimmergenossen entlarven zu können. King lässt den alten Mann gleichzeitig auf wundersame Weise von seiner Wirbelsäulenfraktur genesen. - In „The Breathing Method“ hat sich von Beginn an das Schicksal gegen die schwangere Verkäuferin Sandra verschworen. Sie weiß es. Ihr Arzt weiß es. Doch er leugnet es im Gegensatz zu Sandra. - In „Rita Hayworth and Shawshank Redemption“ ringt Andy Dufresne mit seinem Schicksal, der fälschlichen Inhaftierung. Und in „The Body“ ist es das kurze Leben dreier der vier Jungen, das den Erzähler am Ende resignative Töne anschlagen lässt und ins Grübeln bringt, warum sich das Schicksal gegen seine Freunde verschworen hat, während der fiese Schläger Ace Merril noch lebt.

Morris Heisel in der Verfilmung von Apt Pupil: Er erkennt den Mörder seiner ersten Frau.

Darüber hinaus baut King ganz bewusst plakative Querverweise der Geschichten untereinander ein. So schafft er sein eigenes literarisches Universum. Arthur Dussander, der Alt-Nazi in „Apt Pupil“, bekommt von Andy Dufresne, dem Banker und Insassen in „Rita Hayworth and Shawshank Redemption“, profitable Anlagetipps. Und der Mörder von Chris in „The Body“ ist ein frisch entlassener Häftling aus Shawshank. Lediglich „The Breathing Method“ weist keinen direkten Bezug zu den anderen Erzählungen auf, wenn man einmal davon absieht, dass auch hier die unsympathischen Figuren von King oft als Wähler der Republikaner gekennzeichnet werden.

King begründet die Titelwahl der Anthologie damit, unmissverständlich klarstellen zu wollen, dass es sich hierbei nicht um Horrorgeschichten handelt. Zwar weist er im gleichen Atemzug auf die in den Storys enthaltenen Horrormotive hin, nachvollziehbar im Lichte seiner bisherigen Werke ist dieses Argument jedoch allemal. Allerdings leuchten die Zuordnungen nur ein, wenn man etwas um die Ecke denkt. Denn mit Ausnahme der „Breathing Method“, in der dem Winter tatsächlich eine handlungstragende Bedeutung zukommt, scheinen die Zuordnungen willkürlich, ja sogar unlogisch zu sein. So spielt „The Body“ größtenteils in den Sommerferien, ist aber dem Herbst zugeordnet. „Apt Pupil“ und „Rita Hayworth and Shawshank Redemption“ enfalten sich über mehrere Jahre. Sinn ergeben die Jahreszeitenmotive nur, wenn man sie mit den doppeldeutigen Anthologietiteln verbindet: „Hope springs eternal: Rita Hayworth and Shawshank Redemption“, „Summer of Corruption: Apt Pupil“, Fall from Innocence: The Body“, „A Winter's Tale: The Breathing Mehod“. Freilich wirkt das konstruiert und die etwas pathetisch gewählten Titel scheinen die Texte schon zu deuten, bevor man überhaupt mit dem Lesen begonnen hat. Zum Glück erweist sich der ehemalige Englischlehrer Stephen King, trotz der fraglos enthaltenen erzieherischen Elemente, als begnadeter Geschichtenerzähler: Eine griffige, schnörkellose Sprache, ein Gefühl für Ton und Slang der verschiedenen Milieus und Äras, die er schildert, und vor allem sein Blick für wesentliche Details lassen die Erzählungen frisch, ehrlich und trotz ihres außergewöhnlichen Inhalts stets lebensnah wirken.

Hitchcock und Truffaut als "Hörbuch"

2008-07-05T11:16:00.005+02:00

Manchmal muss man das digitale Zeitalter einfach lieben: Der Filmblog If Charlie Parker Was a Gunslinger, There'd Be a Whole Lot of Dead Copycats hat über die letzten zwei Jahre die Tonband-Interviews zwischen François Truffaut und Alfred Hitchcock veröffentlicht, die die Grundlage für die Mutter aller Filmbücher bilden: Mr. Hitchcock, wie haben Sie das gemacht? Nun liegt also die Hörbuchfassung dieses "journalistischen Meisterstücks" (SZ) vor. Neunzehn Folgen sind bei If Charlie Parker... bislang im mp3-Format erschienen. Mein MP3-Player wird umgehend gefüttert...

Hier geht's zu den Aufnahmen!

Short Cuts #7

2008-06-29T18:03:00.006+02:00

21 ist die komplett misslungene Verfilmung von Ben Mezrichs "Bringing Down the House": Eine Handvoll Studenten nimmt durch Kartenzählen Casinos beim Blackjack aus. Dass der Stoff das Potenzial für einen guten Film hat, beweist die Erstverfilmung The Last Casino eindrucksvoll. Während der kanadische TV-Film für mich ein stiller Höhepunkt des Jahres 2004 war, zählt 21 schon jetzt zu den Gurken des Jahres 2008. Prätentiös, durchweg miserabel geschauspielert (um nicht zu sagen: komplett fehlbesetzt!), schlecht geschrieben, mies geschnitten und viel zu süßlich inszeniert. Nicht anschauen!

Vantage Point ist eine Art Dünnbrettbohrervariante von Brian De Palmas Snake Eyes, verschenkt die Möglichkeiten, die die für einen Hollywoodfilm zugegebenermaßen mutige Erzählstruktur bietet. Gut gecastet, zügig inszeniert aber eben nur ungenügend gescriptet. Als reines Entertainment erträglich, aber weit entfernt von einem guten Film.

All the Boys love Mandy Lane: Guter Slasher, der selbstbewusst mit den Konventionen des Genres umgeht, seine Vorbilder liebevoll zitiert und vor allem durch eine hinreißende Hauptdarstellerin (Amber Heard) zu überzeugen weiß. Der seit Scream obligatorische Plottwist ist zwar leicht vorherzusehen, das tut dem Filmvergnügen jedoch keinen Abbruch, weil der 70's-Look zusammen mit dem großartigen Soundtrack eine nostalgische Atmosphäre erzeugt, der man sich gerne hingibt.

Top Ten der Genre-Filme

2008-06-20T07:12:00.006+02:00

Das American Film Institute veröffentlichte kürzlich die zehn besten US-Filme verschiedener Genres. Hier die Ergebnisse - über die eine oder andere Nennung ließe sich sicherlich vorzüglich streiten!

ANIMATION

1. "Snow White and the Seven Dwarfs“, 1937.

2. "Pinocchio“, 1940.

3. "Bambi“, 1942.

4. "The Lion King“, 1994.

5. "Fantasia“, 1940.

6. "Toy Story“, 1995.

7. "Beauty and the Beast“, 1991.

8. "Shrek“, 2001.

9. "Cinderella“, 1950.

10. "Finding Nemo“, 2003.

FANTASY

1. "The Wizard of Oz“, 1939.

2. "The Lord of the Rings: The Fellowship of the Ring“, 2001.

3. "It's a Wonderful Life“, 1946.

4. "King Kong“, 1933.

5. "Miracle on 34th Street, 1947.

6. "Field of Dreams“, 1989.

7. "Harvey“, 1950.

8. "Groundhog Day“, 1993.

9. "The Thief of Bagdad“, 1924.

10. "Big“, 1988.

GANGSTER

1. "The Godfather“, 1972.

2. "Goodfellas“, 1990.

3. "The Godfather Part II“, 1974.

4. "White Heat“, 1949.

5. "Bonnie and Clyde“, 1967.

6. "Scarface: The Shame of a Nation“, 1932.

7. "Pulp Fiction“, 1994.

8. "The Public Enemy“, 1931.

9. "Little Caesar“, 1930.

10. "Scarface“, 1983.

SCIENCE FICTION

1. "2001: A Space Odyssey“, 1968.

2. "Star Wars: Episode IV — A New Hope“, 1977.

3. "E.T. the Extra-Terrestrial“, 1982.

4. "A Clockwork Orange“, 1971.

5. "The Day The Earth Stood Still“, 1951.

6. "Blade Runner“, 1982.

7. "Alien“, 1979.

8. "Terminator 2: Judgment Day“, 1991.

9. "Invasion of the Body Snatchers“, 1956.

10. "Back to the Future“, 1985.

WESTERN

1. "The Searchers“, 1956.

2. "High Noon“, 1952.

3. "Shane“, 1953.

4. "Unforgiven“, 1992.

5. "Red River“, 1948.

6. "The Wild Bunch“, 1969.

7. "Butch Cassidy and the Sundance Kid“, 1969.

8. "McCabe & Mrs. Miller“, 1971.

9. "Stagecoach“, 1939.

10. "Cat Ballou“, 1965.

SPORTS

1. "Raging Bull“, 1980.

2. "Rocky“, 1976.

3. "The Pride of the Yankees“, 1942.

4. "Hoosiers“, 1986.

5. "Bull Durham“, 1988.

6. "The Hustler“, 1961.

7. "Caddyshack“, 1980.

8. "Breaking Away“, 1979.

9. "National Velvet“, 1944.

10. "Jerry Maguire“, 1996.

MYSTERY

1. "Vertigo“, 1958.

2. "Chinatown“, 1974.

3. "Rear Window“, 1954.

4. "Laura“, 1944.

5. "The Third Man“, 1949.

6. "The Maltese Falcon“, 1941.

7. "North By Northwest“, 1959.

8. "Blue Velvet“, 1986.

9. "Dial M for Murder“, 1954.

10. "The Usual Suspects“, 1995.

ROMANTIC COMEDY

1. "City Lights“, 1931.

2. "Annie Hall“, 1977.

3. "It Happened One Night“, 1934.

4. "Roman Holiday“, 1953.

5. "The Philadelphia Story“, 1940.

6. "When Harry Met Sally ...“, 1989.

7. "Adam's Rib“, 1949.

8. "Moonstruck“, 1987.

9. "Harold and Maude“, 1971.

10. "Sleepless in Seattle“, 1993.

COURTROOM DRAMA

1. "To Kill a Mockingbird“, 1962.

2. "12 Angry Men“, 1957.

3. "Kramer Vs. Kramer“, 1979.

4. "The Verdict“, 1982.

5. "A Few Good Men“, 1992.

6. "Witness for the Prosecution“, 1957.

7. "Anatomy of a Murder“, 1959.

8. "In Cold Blood“, 1967.

9. "A Cry in the Dark“, 1988.

10. "Judgment at Nuremberg“, 1961.

EPIC

1. "Lawrence of Arabia“, 1962.

2. "Ben-Hur“, 1959.

3. "Schindler's List“, 1993.

4. "Gone With the Wind“, 1939.

5. "Spartacus“, 1960.

6. "Titanic“, 1997.

7. "All Quiet on the Western Front“, 1930.

8. "Saving Private Ryan“, 1998.

9. "Reds“, 1981.

10. "The Ten Commandments“, 1956.

Short Cuts #6

2008-06-06T15:32:00.008+02:00

AVP 2: Zunächst das Positive: AVP 2 drangsaliert den geneigten Zuschauer im Gegensatz zum Vorgängerfilm nicht mit einer furchtbar ausgewalzten Exposition. Nun das Negative: Dafür baut der Horrorheuler zu keinem Zeitpunkt eine mitreißende Spannung auf. Die Figuren sind farblose Stereotypen. Die Action ist in Ordnung aber nie wirklich überraschend. Das hat man alles schon mehrfach gesehen. Die Kämpfe der Kreaturen sind weniger gut choreografiert als in Teil 1. Fazit: Ein Trashfilm, an dem man leider nicht vorbeikommt - das Potenzial von Idee und Budget wird durch die 08/15-Inszenierung der Gebrüder Strause allerdings verschenkt.

Juno: Durch den Oscar eine zu Unrecht hochgehypte Schwangerschaftsgeschichte, die Achtklässler in Schulvorstellungen langweilt und Erwachsenen ob der Unglaubwürdigkeit der Hauptfigur eigentlich auch die Filmfreude vergällen müsste. Warum das bei vielen Volljährigen offenbar nicht der Fall ist, kann ich nicht nachvollziehen. Juno wirkt mit ihren genau kalkulierten Drehbuchsprüchen furchtbar altklug und als Figur durch und durch konstruiert. Trotzdem: Der Retroflair funktioniert.

Cassandra's Dream: Großartiges aus dem Hause Allen! Vielleicht hätte der Vorzeige-New-Yorker früher nach England gehen soll. Denn seitdem er dort ist, liefert er nur noch gute Filme ab. Absolutes Highlight hier: Colin Farrell als spielsüchtiger Automechaniker. Obgleich die Chemie zwischen Farrell und seinem Filmbruder Ewan McGregor stimmt, wird McGregor von Farrell des Öfteren glatt an die Wand gespielt. Die weibliche Hauptrolle ist allerdings ein Totalaussetzer. Hayley Atwell gibt die opportunistische Aktrice Angela dermaßen gelangweilt, dass einem nicht nur die Figur unsympathisch wird, sondern auch die Szenen missfallen, in denen sie auftaucht.

The Two Jakes: Kürzlich erneut gesichtet und schwer begeistert! Völlig zu Unrecht unterschätzter Neo Noir, der seinem Vorgänger nicht um viel nachsteht. Vilmos Zsigmonds Kameraarbeit ist fantastisch, überflügelt locker den Look von Chinatown. Harvey Keitel kann man zwar des Overactings bezichtigen und dem Plot einige Längen vorhalten, doch die Stimmung ist feinstes Noir. Schade, dass der geplante und am Ende des Streifens angedeutete dritte Teil nie gedreht wurde.

Interview: Intimes Kammerspiel von und mit Steve Buscemi. Es handelt sich um ein Remake des 2003 gedrehten Films vom niederländischen Filmemacher Theo van Gogh. Ein lehrreiches Stück über Manipulation, Macht, Schauspiel, Lügen, Drogen und noch unendlich mehr, das hier nicht alles aufgezählt werden soll. In a nutshell: Für Arthouse- und Buscemi-Fans ein Muss, Actionfanatiker sollten fernbleiben.

The Fury Remake

2008-04-25T08:51:00.006+02:00

Variety berichtet von einem The Fury-Remake, das derzeit bei FOX 2000 in Arbeit sei. Im Zentrum der Handlung soll ein Junge stehen, der über telekinetische Kräfte verfügt und von der Regierung entführt wird, um als Waffe eingesetzt zu werden. Brian De Palmas Original von 1978 konzentrierte sich hingegen auf den Vater des Entführten, der verzweifelt versucht, seinen Sohn aus den Händen der Entführer zu befreien. Bislang wurde nicht bekannt gegeben, wer Regie führen wird.

Short Cuts #5

2008-04-01T23:07:00.007+02:00

Frank Oz' Death at a Funeral hat etwas geschafft, was die meisten Komödien nicht vermögen: Dieser Film hat mich oftmals so laut auflachen lassen, dass ich anschließend gezwungen war, die Rückspultaste zu betätigen, um nichts zu verpassen. Selten entsteht aus einer Koproduktion etwas solch Fabelhaftes wie hier. Der Humor dieses amerikanisch-deutsch-englisch-niederländischen Werkes ist allerdings zutiefst britisch. Dieses Kammerspiel lässt keine Wünsche offen. Bis in die kleinste Nebenrolle perfekt besetzt, ansehnlich ausgestattet und bebildert, pointiert geschrieben und mit einem sensiblen Gespür für Timing geschnitten. Death at a Funeral empfehle ich uneingeschränkt!

Irina Palm ist ebenfalls eine Koproduktion (Belgien, Luxemburg, UK, Deutschland und Frankreich) und präsentiert uns eine erschreckend hausfrauenhafte Marianne Faithfull, die, um das Geld für eine kostspielige Behandlung ihres todkranken Enkelkindes zusammenzubekommen, in einem Tabledance-Schuppen Männern einen Handjob verpasst. Sie avanciert zu einem Star der Szene, wird von der Konkurrenz umworben, weil sie die angeblich beste rechte Hand Londons hat. - Faithfull baut mit ganz kleinen Gesten um ihre Figur einen solch komplexen Kosmos auf, so dass auf dröge, erklärende Dialoge verzichtet werden kann. Ein zutiefst menschlicher Film, der zwar die komischen Früchte der konstruierten Situation genüsslich zu ernten versteht, zugleich aber nie vergisst, dass es im Kern um etwas ganz anderes geht: Die anrührende Geschichte einer späten Emanzipation. Großartig!

Short Cuts #4

2008-03-27T23:35:00.015+01:00

Prinzessinnenbad: Eine Liebeserklärung an drei Mädchen, die den Kreuzberger Kiez unsicher machen. "Lass dir erstmal 'nen Penis wachsen!", so wird eine unliebsame Anmache im Kreuzberger Prinzenbad gekontert. Überhaupt sind die drei wahnsinnig scharfzüngig, scheinen zu wissen, was sie wollen - doch stellt sich heraus, dass hinter ihrer äußeren Härte und sexuellen Abgeklärtheit dann doch noch kindliche Züge schlummern. Die größte Schwäche dieser preisgekrönten Dokumentation: Sie hört nach neunzig Minuten auf, endet im Spätherbst 2006. Gerne wüsste man, wie es um die damals 15-16-jährigen heute bestellt ist. Wahrscheinlich lässt sich diese Antwort irgendwo in der Oranienstraße klären.

Ich habe es nicht glauben wollen, als mein werter Bloggerkollege Rudi vor etwa einem Jahr einen Film anpries, bei dessen Trailer ich im Kino stets mit Würgeanfällen kämpfen musste: Superbad. Und nun stellt sich tatsächlich heraus: Superbad tut seinem Namen nicht alle Ehre. Vom lässigen 70's-Opening bis hin zu den letzten Einstellungen überrascht einen diese Teenie-Komödie immer wieder. Zwar lenkt die B-Handlung, in der der nerdige McLovin mit zwei unterbelichteten Cops alle Kleinjungenträume ausleben darf, von der liebevoll geschriebenen und inszenierten Haupthandlung, dem Erwachsenwerden zweier bester Freunde, ab. Insgesamt halte ich Superbad dennoch für den gelungensten Highschoolfilm seit Fast Times at Ridgemont High.

Breakfast at Tiffany's: Ein Klassiker von Blake Edwards, den ich bis vor kurzem nicht kannte. Und wie sich nun herausstellt, war dies auch nicht weiter tragisch. Denn was lehrt uns dieser Film? Dass es auch schon 1961 anorektische Schauspielerinnen gab. Dass man krankhafte Persönlichkeiten offenbar gut als Hauptfiguren verwenden kann. Dass rassistisch inszenierte Nebenrollen echt lustig sind. Und überhaupt: Dass die Lebensprobleme eines 60's-Girl so etwas von dated sind, dass man nur noch gähnen mag. Aber eines muss man Breakfast at Tiffany's lassen: Der Blick auf die New Yorker Promigesellschaft und ihre extravaganten Partys ist mehr als gelungen. Sich diese zwanzig Minuten isoliert anzusehen, würde ich empfehlen, den Rest kann man getrost vergessen.

Imitation of Life ist ein ganz großartiger Film des noch großartigeren Douglas Sirk. Ich hasse Pathos in Filmen. Doch ich liebe Pathos in Sirks Melodramen, weil es hier einfach passt, stimmig ist und einem das Herz erwärmt. Prächtige Technicolor-Farben tragen ihren Teil dazu bei, diese Geschichte um zwei allein erziehende Mütter in ausladender Manier zu erzählen. Imitation of Life ist im Gegensatz zu Breakfast at Tiffany's überhaupt nicht überholt, sondern aktueller und relevanter als der meiste Murks, der heutzutage die Lichtspielhäuser heimsucht. Ganz großes Kino!

Run Fatboy Run: Launige Komödie mit Simon Pegg, die im Gegensatz zu Shaun of the Dead und Hot Fuzz daran krankt, die Genregrenzen nicht zu überschreiten. Daher bleibt sie völlig vorhersehbar, in den Nebenrollen blass und erzielt keine nachhaltige Wirkung. Dennoch gibt es einzelne Szenen, die Lachkrämpfe auszulösen vermögen. Den Nerv muss man erst einmal haben, einen Marathon mit einem "National Erectile Dysfunction Awareness"-Shirt zu laufen...